Latest Posts

Mediated Resource Migration; Constructed Cultural Biotope

English | Indonesia

SORI – Blacksmith’s Anvil (2020) by Youngho Lee. [Snapshot]

Curatorial essay for the group exhibition “Reconstructed Biotope” (Cemeti 2020)

THE ISSUE THAT FORMS the basis of the artistic practices of Elia Nurvista and Youngho Lee, through which they attempt to draw connecting threads in this exhibition, is an enthusiasm for representing the phenomena of global migration of resources.  They have investigated a number of these sources as historical issues, while others have been collected from contemporary encounters. Their practices, however, find their most exciting polemic in the field of study rooted in “historical materialism” on the one hand, and on the other, in stimulating spirited reflection on the experience and modes with which people represent the “objects” that they frame.

From a curatorial reading the starting point for explorations of this enthusiasm is the project they developed during a residency at Künstlerhaus Bethanien, Berlin, Germany, in 2018 – 2019, although the residency project is not the only reference from which the concept of this exhibition was constructed. That project was a continuation of what they had already done in previous years.  Their work on the narratives that form the background to these works clearly differ: if Youngho prioritises historical motifs, Elia foregrounds political attractions. However, we can sense the similarities in their paradigms in their translation of the relative progress of a civilisation that, it might be said, is the product of ceaseless conflict: “North-South”—West versus East. That is, a paradigm which attempts to understand how modern products (or the by-products of modernity’s incursions on all parts of the world) have come to play such a significant role in our lives today. Their paradigm for understanding all of this comes from the perspective of “post-protectorate-era” or even “postcolonial” nations. In other words, there is a desire in their work to offer an “decolonising” interpretative model—although not drowning in analytical terms, it still proposes a programmatic framework—to investigate the development of today’s world, “the progressive era,” which in fact now towers over narratives of tyrannical power, the cruelty of war and new and old forms of colonisation and exploitation.

This “progressive era” remains unbalanced as a result of the remaining injustices that reside, obscure in people’s subconscious, hidden behind the pretext of cultural assimilation, manifesting in the “global system” that never ceases to repress those who are marginalised and continues to influence the way we view our local environment. The paradigm that links Elia and Youngho’s work is an attempt to deconstruct, or invite us to understand, this imbalance.

With an awareness of the characteristics that underlie the practices of both these artists—practices that are very different but which have a magnetic attraction that allows them to connect with each other—this exhibition is presented as striking combination of “expository tendencies” and “poetic aspiration,” which both artists attach to their arrangement of political statements about cross-geographical events and phenomena. They utilise the diverse content dispersed across the information wilderness, which is increasingly formed from arbitrary sources in today’s era of technology.  “The globalisation of material conditions and ideals” is the focus of the issues they examine by each exploring different subjects—food and sound—free from the constraints of how major historical narratives connect the two subjects. While Elia investigates the politics behind food (waste) Youngho re-maps any kind of experimental sound (waste).

Although they are very different, we can sense how Elia and Youngho’s works in this exhibition both target the issue of global migration, which not only problematises the active movement of humans, but also encompasses ceaseless (and unlimited) exchange of inanimate objects (commodities) and abstractions (concepts), both actually and virtually The process of migration itself seems influential on our senses when we translate the meaning and context of what is migrated (in this case food and sound). In connection with these two subjects, we can see that the artists’ journeys have led them to encounters with the visual jargon that represents mechanisms of data-based labour, surveillance systems, digital technology and social media in the lives of contemporary society. However, their work has a more analogical role—far from analytical although it carries that decolonial paradigm—when demonstrating, if not transfiguring, the tensions that often surface between binary oppositions such as global and local, East and West, Orientalist and Occidentalist, modern and traditional, authentic and reproduces, aural and visual, ordered and random, between the synthetic and the organic. In that context, the construction of the two works by these artists seems to have a strong orientation to materialise—or to use a materialistic approach as its foundation—imagination, memory, discourse, and even stereotypes around situations that are invisible but firmly tangible. Their experiments concur with efforts to appropriate the past and adopt the present. 

***

Savage Noble Series, No. 6 and 7, which is the result of digital processes applied to Papaya and Watermelon (1860), a painting by Brazilian artist Agostinho José da Mota, and Still Life with Fruit on a Stone Ledge (probably around 1601-1610), by Italian painter Michelangelo Merisi da Caravaggio, are parodies of iconic images which radiate “Renaissance symbology” (or at least, the formal images particular to Europe). These digital prints on canvas are part of Elia’s Früchtlinge series (produced in 2018-2019) are deliberately displayed in this exhibition as “opening works” to present the context of the artists efforts in contesting, or pointing out the standards of Western knowledge and, primarily, the European model of identity construction around globalised subjects and objects. Spatially, Elia’s images are presented alongside videos titled You Are Not Paranoid; Observed Yourself Being Watched (2018), a single channel version from an installation that, when presented in Berlin, was part of Youngho’s Clinamen – Matter Misprision project. As a short essay showing the possibilities of audio-visual sublimation within the phenomenon of technological dependence in mediated human life, this video’s suggestion of futuristic tendencies stimulates our awareness of control over contemporary human activity, the way in which our routines are noted, followed and tracked by technology itself.

Interestingly, the connection between these two works emerges when we carefully consider how “the materiality of the abstract” and the “abstraction of the material” are circulated in a cultural biotope constructed by a system. As in Dawkin’s predictions of a memescape and the potential for a “memetika” that follows, the video You Are Not Paranoid; Observed Yourself Being Watched and the images in Savage Noble Series No. 6 and 7 are appropriate analogies for understanding how our world has become part of a “non-concrete” nature, the existence of intangible issues that also circulate beyond material mobility, and that non-material threads (threads of concepts) also become a factor in the discursive discrepancies that the world experiences. These come in many forms.  One can be seen from the ways that regions define other regions, through a practice of othering and labelling as well as colonialism, control and surveillance. The animated video that Elia made for the Früchtlinge project, displayed between the aforementioned works, is an illustration of these discrepant discourses: how commodities experience particular migrations and exoticisation by the dominant system, by modernism—which is in this work represented by the symbology of machines.

Meanwhile, Elia’s installation, which is constructed in the form of a fruit market complete with wooden boxes, is an extension of the articulation of global migration that this exhibition addresses. However, unlike the story told through the animated video or the digital appropriation in the Früchtlinge series, which embeds in fruit the symbology of European power (the Rennaisance and, subsequently, Modernism— “visual and machine symbology”) as a critique of Western standardisation, Elia’s new work Tropical Repertoire (2020) is more focused on what may be carried by this commodity (fruit) besides its biological characteristics. The commodity that migrates in fact carries textuality that is also, essentially, migrated as an abstraction: invisible, but culturally alive in people’s understanding or knowledge. Matters outside of the biological category that migrate from one location to another, from one object to another. “One narrative of fruit migrates and will be connected to another narrative of fruit.” Every object has a story, a context, data, which can be mutually connected to the story, context and data of another object. The illustrations of global migration in the fruit installation are also Elia’s unique metaphor for actual socio-political conditions, closely tied to humanism, which are inseparable from how “textual problems are attached” by the system (producing forms of identity, figures and labels) which determine the narrative and status of the migrated subject/object.

This is also the case in the context of sound, such as music. Youngho’s video SOUNDTRACK: Biotope – Temporary protectorate (2019) takes as background the situation of post-war Korea, when the “advanced development” of the West (in this case the United States of America) was transplanted into South Korea, and which aligned with how the country’s then political-economic powers introduced contemporary culture to citizens by emphasising the visual, and through adoption of technology. The video is a transfiguration of repurposed textual, visual and aural archives through the artist’s process of artistic interpretation and conservation of historical sources. This video was made in the context of long-term research which investigates and explores media sources (such as publications and film) that have been collected in Korea since the 1960s and 1970s. These videos represent how artefacts of “sound culture” (for instance, music) also undergo global migration and, in their progression, determine characteristics of development in the regions that they seize. This video speculates—through visual games based on found footage, of course, as characteristic of the sound exploration model that it complements—on the connection between Western and Korean culture that resulted from the distribution of cultural resources which, to paraphrase Youngho’s own statement, “is not only based on material matters, but also on the concept and structure of historical narratives and other institutionalised forms of politics.” As a visual mapping of experimental documentary approaches, this video is Youngho’s visualisation of the technical (and spatial) structure that characterises South Korean musical rhythms which, in all aspects (economic, political and cultural) is related to the “progress” of the USA.  This visualisation is presented as a story of contemporary Korea, of how postcolonial appropriation is utilised in recent developments and connected as a way of challenging the structural definitions that have thus far been based on Western perspectives.

Youngho’s photography series Pencil of Nox (2008) complements efforts to trace how, and to what extent, Youngho atttends to spatial and temporal developments of a city, like Seoul, with socio-cultural connections to the USA. The work plays with blurring the boundaries of organic and geometrics aspects of the city. This series of photographic collages, in which the artist intends to experiment with merging visual landscapes from the layered synthetic environment into a polyphonic coexistence, also uniquely represents a visual impression of sound—the sound of the city. Apart from this, we can observe that Youngho consistently pays particular attention to the development of the digital media that influences his photographic practice. His video Photo Studio Project – Episode I (2010), which also complements the rest of the exhibition, shows traces of the artists’ creative process. These two accompaniments are presented not only in order show why Youngho’s attention was initially drawn to these issues, but also as an important element of exhibitions richness in looking at modernism’s position (or the “migration of cultural artefacts”, if we want to align with the curatorial context of the exhibition) as a determining factor in the changes and processes of future development in a region, which are always in tension with existing local interests.

Youngho’s practice in appropriating mediated data and material is also evident in his latest video work, titled Epilogue SORI Blacksmith’s Anvil (2020). As a continuation of his efforts to rescue forgotten audio and visual recordings, this video is an audio-visual experiment that consciously applies multi-screen logic in cinematic articulations, even though it is presented in one frame (single channel video).  This video is also made under the auspices of a long project to develop a new cultural ecosystem through digital archiving, and has been part of the online project Kino Music Project (https://kinomusicproject.com/KINO).

Simultaneously, with a similar approach to appropriation, Elia has made a new video titled The Maladies (2020). This video seems to be a further development on the issue addressed in Früchtlinge, addressing the origins of food that has been historicised alongside the increasing institutionalisation of political-economic discourse in capitalist ideology; narratives that live in the realm of media and which mediate public understanding of the social and cultural functions of food consumption, are also legitimised by their global imaging. It appears that Elia’s latest video operates on the same frequency as Youngho’s projects when discussing the migrations of that which is not concrete alongside the mobility of that which is.

***

In closing, it should also be noted that my efforts to curate a number of works by these two artists in this exhibition is in fact motivated by a desire to open discussion on the position of an art exhibition that has a specific, minimalist scope, which results from stable and balanced conditions, and which offers a temporary abode for a collection of particular “lives”.

Reconstructed Biotope is a metaphor for the interpretation of products of art practice, displayed for the public within a certain curatorial framework as a culturally constructed “collection of lives”. The cultural ideas and objects that have been produced by this process of artistic interpretation are treated like living things that can interact with each other both dialectically and dialogically. The art exhibition, although presented as an “artificial biotope”, can become our main window into understanding what is actually alive in reality.  *

Migrasi Sumber Daya Termediasi; Biotope Budaya Terkonstruksi

English | Indonesia

SORI – Blacksmith’s Anvil (2020) by Youngho Lee. [Snapshot]

Esai kuratorial untuk Pameran Kelompok, “Reconstructed Biotope” (Cemeti, 2020)

HAL YANG MELANDASI hubungan artistik antara Elia Nurvista dan Youngho Lee, yang coba ditarik benang merahnya dalam pameran ini, adalah antusiasme dari praktik mereka yang berusaha merepresentasikan gejala dari migrasi global sumber daya-sumber daya. Beberapa di antara sumber-sumber tersebut telah diteliti sebagai hal-hal kesejarahan, sedangkan yang lainnya cukup sering dipungut sebagai temuan-temuan kontemporer. Praktik mereka, barangkali, akan mendapati polemik paling menggairahkannya di dalam kajian-kajian yang berakar pada “materialisme historis”, pada satu sisi, dan dapat merangsang refleksi penuh semangat tentang pengalaman dan modus-modus representasi manusia mengenai objek-objek yang mereka bingkai, pada sisi yang lain.

Dari segi pembacaan kuratorial, titik pangkal peninjauan tentang antusiasme tersebut adalah proyek yang mereka kembangkan ketika menjalani program residensi seniman di Künstlerhaus Bethanien, Berlin, Jerman pada periode 2018 – 2019 lalu meskipun proyek residensi itu bukan satu-satunya acuan untuk mengkonstruksi gagasan pameran ini. Proyek-proyek itu adalah pengembangan lanjut dari apa yang telah mereka lakukan di tahun-tahun sebelumnya. Perlakuan mereka terhadap narasi-narasi yang melatarbelakangi karya jelas berbeda: jika Youngho menekankan motif historis, Elia mengedepankan tarikan politis. Akan tetapi, kita dapat merasakan kesamaan paradigma mereka dalam menerjemahkan relativitas kemajuan peradaban yang, bisa dibilang, merupakan buah dari konflik tak berkesudahan: “Utara-Selatan” — Barat vs Timur. Yaitu, paradigma yang mencoba memahami bagaimana produk-produk modern (atau produk-produk bekas serbuan modernitas ke seluruh belahan dunia) berperan signifikan di dalam kehidupan kita hari ini; paradigma mereka dalam memahami itu semua dari sudut pandang bangsa-bangsa “pasca-era-protektorat” ataupun “pascakolonial”. Dengan kata lain, di karya mereka, ada hasrat yang menawarkan suatu model interpretasi “dekolonial”—namun tidak tenggelam dalam ujaran-ujaran analitik meski tetap mengandaikan kerangka-kerangka programatik—untuk memeriksa perkembangan dunia zaman sekarang, “zaman maju” yang sesungguhnya tengah menjulang di atas narasi-narasi tirani kekuasaan, kekejaman perang, dan penjajahan serta eksploitasi bentuk baru maupun lama.

“Zaman maju” tetap timpang akibat masih adanya ketidakadilan yang begitu samar dan bersemayam di alam bawah sadar manusia, bersembunyi di balik dalih asimilasi budaya, menjelma menjadi “sistem global” yang tanpa henti menekan yang marginal, dan juga terus memengaruhi cara-cara kita memandang lingkungan lokal kita hari ini. Paradigma yang memayungi karya Elia dan Youngho berusaha membongkar, atau mengajak kita memahami, ketimpangan itu.

Dengan menyadari watak yang melatari praktik kedua seniman ini—praktik yang sangat berbeda tapi mempunyai daya tarik magnetis untuk bisa saling terhubung satu sama lain—pameran ini pun hadir sebagai sebuah kombinasi yang menyengat antara “kecenderungan ekspositori” dan “aspirasi puitik”, dua hal yang melekat pada kedua seniman dalam menyusun pernyataan-pernyataan politis mereka terkait fenomena atau kejadian-kejadian lintas geografis. Pernyataan-pernyataan mereka memanfaatkan konten yang tersebar di belantara informasi yang semakin menjelma menjadi sumber arbitrari di era teknologis hari ini. “Gaung globalisasi dari kondisi-kondisi material dan ideal sekaligus”, itulah kisaran isu yang coba diselidiki secara kritis oleh kedua seniman dengan menjelajahi subject matter yang juga berbeda satu sama lain, yaitu pangan dan bunyi—terlepas dari bagaimana sejarah-sejarah besar telah membentuk narasi tentang hubungan erat antara kedua subjek tersebut. Sementara Elia mengurai sesuatu yang politis di balik [sisa-sisa] makanan, Youngho memetakan ulang apa pun yang eksperimental dari [sisa-sisa] bebunyian.

Bagaimanapun bedanya, dapat dirasakan bahwa karya-karya Elia dan Youngho di dalam pameran ini sama-sama menyasar masalah migrasi global yang tidak hanya menyoal perpindahan aktif manusia-manusia, tetapi juga mencakup tukar-menukar tanpa henti (dan juga tanpa batas) yang melibatkan benda mati (komoditas) dan abstrak (gagasan), baik yang terjadi secara aktual maupun virtual. Proses migrasi itu sendiri nyatanya juga ikut memengaruhi bagaimana indra manusia menerjemahkan makna dan konteks dari apa-apa yang sedang dan akan terus bermigrasi (dalam hal ini, contohnya, ialah makanan dan bebunyian). Sehubungan dengan sasaran karya mereka inilah kita pun bisa melihat bahwa penjelajahan artistik kedua seniman ternyata singgah dan bertemu pada jargon-jargon visual yang merepresentasikan mekanisme dari kerja berbasis data, sistem pengawasan, teknologi digital, dan media sosial di dalam kehidupan masyarakat kontemporer. Namun, karya-karya mereka memainkan peran yang lebih analogis—jauh dari kesan analitis meskipun membawa paradigma dekolonial itu—dalam menunjukkan, kalau bukan mentransfigurasi, tegangan-tegangan yang kerap memercik di antara sejumlah oposisi biner, seperti tegangan di antara yang global dan lokal, yang Barat dan Timur, yang Orientalis dan Oksidentalis, yang modern dan tradisional, yang otentik dan reproduksi, yang aural dan massal, yang teratur dan acak, serta antara yang sintetik dan organik. Dalam konteks tersebut, konstruksi karya dari kedua seniman tampak mempunyai orientasi yang kuat untuk memetik material dari—atau menggunakan pendekatan materialistik untuk memaparkan—imajinasi, memori, wawasan, bahkan stereotipe tentang situasi-situasi yang tak kasatmata tapi tegas menubuh. Eksperimen mereka juga mengamini upaya-upaya apropriasi dari yang lampau ataupun adopsi dari yang masa kini.

***

Savage Noble Series, No. 6 dan 7, yang adalah hasil olahan digital dari lukisan karya Agostinho José da Mota (pelukis Brazil), berjudul Papaya and Watermelon (1860), dan Michelangelo Merisi da Caravaggio (pelukis Italia), berjudul Still Life with Fruit on a Stone Ledge (diduga dibuat di kisaran tahun 1601-1610), merupakan parodi dari citra ikonik yang memancarkan “simbologi Renaisans” (atau setidaknya, rupa formal khas Eropa). Karya cetak digital di atas kanvas yang menjadi bagian dari seri Früchtlinge-nya Elia (diproduksi pada periode 2018-2019) ini sengaja ditampilkan dalam pameran sebagai “karya pembuka” untuk menghadirkan konteks tentang upaya seniman dalam menggugat, atau menunjuk, menuding standar pengetahuan Barat dan, terutama, model pengkonstruksian identitas ala Eropa terhadap subjek dan objek yang mengglobal. Secara spasial, gambar Elia tersebut bersanding dengan video yang berjudul You Are Not Paranoid; Observed Yourself Being Watched (2018), versi kanal tunggal dari instalasi yang, ketika dipresentasikan di Berlin, merupakan bagian dari proyek Clinamen – Matter Misprision-nya Youngho. Sebagai esai pendek yang mempertunjukkan kemungkinan sublimasi audiovisual dari fenomena ketergantungan teknologis dalam kehidupan manusia yang termediasi, video yang mengesankan suatu kegamangan futuristis tersebut merangsang kesadaran kita mengenai kontrol terhadap aktivitas manusia kontemporer; rutinitas kita yang selalu ditandai, diikuti, dan dilacak oleh teknologi media itu sendiri.

Menariknya, hubungan dari kedua karya tersebut di atas mencuat tatkala kita mencoba memikirkan secara saksama bagaimana “materialitas dari yang abstrak” dan “abstraksi dari yang material” bersirkulasi di dalam biotope kultural yang terkonstruksi oleh sistem. Laksana menarasikan ramalan Dawkins tentang memescape dan potensi-potensi “memetika” yang mengikutinya, video You Are Not Paranoid; Observed Yourself Being Watched dan gambar Savage Noble Series No. 6 dan 7 ini adalah analogi yang pas untuk memahami bagaimana dunia kita selama ini telah menjadi bagian dari alam “non-konkret”, dan bahwa ada hal yang tak tersentuh yang ikut bersirkulasi melampaui mobilitas material, dan bahwa kelindan non-material (kelindan gagasan-gagasan) itu juga menjadi faktor dari kesenjangan diskursus yang dialami masyarakat dunia. Kesenjangan itu bermacam-macam, jenisnya. Salah satunya dapat terlihat dari cara suatu region mendefinisikan region yang lain, dalam suatu praktik peliyanan dan pelabelan, juga kolonialisme, kontrol, dan pengawasan. Video animasi yang dibuat Elia dalam seri proyek Früchtlinge, ditampilkan mengantarai dua karya yang disebut sebelumnya, adalah ilustrasi yang menggambarkan kesenjangan diskursus itu: bagaimana komoditas mengalami migrasi tertentu dan eksotisisme oleh sistem yang dominan, oleh modernisme—yang dalam karya ini diwakili oleh simbologi mesin.

Sementara itu, instalasi buah-buahan Elia, yang dikonstruk menyerupai pasar buah, lengkap dengan kotak-kotak kayu, adalah perpanjangan artikulasi tentang migrasi global yang diangkat dalam pameran ini. Akan tetapi, berbeda dengan narasi yang dihadirkan pada video animasi ataupun apropriasi digital dalam seri Früchtlinge, yang di dalamnya citra buah-buahan berkandung simbologi kekuasaan Eropa (Renaisans dan, selanjutnya, Modernisme—“simbologi visual dan mesin”) itu merepresentasikan kritik terhadap standardisasi Barat, karya baru Elia yang berjudul Tropical Repertoire (2020) ini lebih fokus pada apa-apa saja yang mungkin dikandung oleh komoditas (buah) selain karakteristik biologisnya. Bahwa, komoditas yang bermigrasi sebenarnya juga membawa soal-soal tekstual yang pada dasarnya juga bermigrasi sebagai sesuatu yang abstrak, tak tampak, tapi secara kultural hidup dalam pemahaman atau pengetahuan orang-orang. Hal-hal di luar kategori biologis itu juga bermigrasi dari satu lokasi ke lokasi yang lain, dari satu objek ke objek yang lain. “Narasi buah yang satu bermigrasi dan akan berhubungan dengan narasi buah yang lain.” Setiap objek mempunyai cerita, mempunyai konteks, mempunyai data, yang bisa saling terkait dengan cerita, konteks, dan data dari objek yang lain. Ilustrasi tentang migrasi global dalam bentuk instalasi buah-buahan ini juga merupakan cara khas Elia untuk memetaforakan kondisi sosiopolitik aktual, yang erat dengan kemanusiaan, yang tak lepas dengan bagaimana “soal-soal tekstual yang dilekatkan” oleh sistem (dengan keluaran berupa identitas, angka-angka, dan label-label) selalu menentukan narasi dan status subjek/objek yang bermigrasi.

Begitu pula dalam konteks bebunyian, seperti musik. Mengambil latar belakang dari situasi Korea pascaperang tatkala “perkembangan maju” dunia Barat (dalam hal ini, Amerika) dicangkokkan ke masyarakat Korea Selatan, yang beriringan pula dengan bagaimana kekuatan ekonomi-politik negara tersebut, kala itu, menjalankan pengenalan budaya kontemporer kepada warganya dengan menekankan visual dan adopsi-adopsi teknologis, video Youngho yang berjudul SOUNDTRACK: Biotope – Temporary protectorate (2019) adalah transfigurasi dari penggunaan kembali arsip-arsip tekstual, visual, dan audial sebagai suatu proses si seniman dalam melakukan interpretasi artistik dan perlindungan terhadap sumber-sumber kesejarahan. Video ini ia buat dalam rangka penelitian panjang yang mencoba menggali dan menjelajahi kemungkinan-kemungkinan dari sumber-sumber berbasis media (seperti materi publikasi dan film) yang telah terkumpul di Korea sejak periode 1960-1970-an. Video ini merepresentasikan bagaimana artefak-artefak “budaya bebunyian” (misalnya, musik) juga mengalami migrasi global dan, dalam perkembangannya, akan menentukan karakteristik dari pembangunan daerah-daerah yang dihinggapinya. Video ini menawarkan spekulasi—dalam permainan visual yang berbasis footage temuan (found footage), tentu saja, sebagaimana karakter dari model eksplorasi bebunyian yang juga melengkapinya—tentang hubungan antara budaya Barat dan Korea yang terjadi lewat pendistribusian sumber daya kultural yang, memparafrasekan pemaparan Youngho sendiri, “tidak hanya berdasarkan hal-hal material, tetapi juga gagasan, struktur narasi sejarah, dan bentuk-bentuk kelembagaan politik lainnya.” Sebagai sebuah pemetaan visual dengan pendekatan dokumenter eksperimental, video ini adalah usaha Youngho memvisualisasikan struktur teknis (dan juga spasial) yang mencirikan ritme-ritme musikal Korea Selatan yang, dari segala segi (ekonomi, politik, dan budaya), punya keterkaitan sejarah dengan “kemajuan” Amerika. Visualisasi ini dihadirkan sebagai narasi tentang situasi kontemporer Korea, tentang bagaimana apropriasi pascakolonial diterapkan dalam irama-irama pembangunan mutakhir, dan dirangkai sebagai cara untuk menantang definisi-definisi struktural yang selama ini berbasis perspektif Barat.

Seri fotografi Youngho yang berjudul Pencil of Nox (2008) adalah komplementer untuk menjejaki sejauh apa dan bagaimana Youngho menaruh perhatian terhadap perkembangan spasial dan temporer sebuah kota seperti Seoul yang memiliki hubungan sosiokultural dengan Amerika, yang memainkan perpaduan antara aspek yang sifatnya organik dan geometris. Seri foto kolase ini, yang oleh seniman diniatkan sebagai caranya untuk bereksperimen dalam melebur lanskap visual dari lingkungan sintetis yang berlapis-lapis ke dalam suatu koeksistensi poliponik, secara unik juga mewakili suatu kesan dari visualisasi bunyi—bebunyian kota. Selain itu, sebagaimana dapat kita perhatikan, Youngho cukup konsisten menaruh perhatian yang khusus terhadap perkembangan media digital yang memengaruhi praktik-praktik fotografi. Videonya yang berjudul Photo Studio Project – Episode I (2010), yang merupakan komplementer lainnya untuk pameran ini, dapat menunjukkan jejak-jejak praktik artistik si seniman ini. Namun, kedua komplementer ini dihadirkan bukan hanya dalam rangka untuk menunjukkan bagaimana perhatian Youngho terhadap isu-isu tersebut bermula, tetapi juga sebagai unsur penting bagi khasanah pameran ini dalam melihat posisi modernisme (atau “migrasi artefak kultural”, kalau kita ingin menyesuaikan konteks kuratorial pameran ini) sebagai faktor determinan bagi perubahan-perubahan dan proses pembangunan masa depan suatu region, yang akan selalu bertegangan dengan kepentingan-kepentingan lokal yang ada.

Praktik Youngho yang mengapropriasi data-data dan material-material termediasi juga terlihat dalam karya video terbarunya yang berjudul Epilogue: SORI – Blacksmith’s Anvil (2020). Sebagai keberlanjutan usahanya untuk menyelamatkan rekaman-rekaman audio dan visual yang terlupakan, video ini merupakan sebuah eksperimen audiovisual yang dengan sadar menerapkan logika multilayar dalam artikulasi sinematik meskipun dihadirkan dengan satu bingkai (single channel video). Video ini juga dibuat dalam rangka proyek panjangnya untuk mengembangkan suatu ekosistem budaya baru melalui pengarsipan digital, dan telah menjadi bagian dari proyek online bertajuk Kino Music Project (https://kinomusicproject.com/KINO).

Sementara itu, dengan pendekatan apropriasi yang tak jauh berbeda, Elia membuat sebuah video baru, berjudul The Maladies (2020). Video ini agaknya merupakan pengembangan lebih jauh terkait dengan isu yang dikaji dalam proyek Früchtlinge, tentang asal-usul makanan yang narasinya telah menyejarah seiring dengan semakin mapannya diskursus politik-ekonomi dalam ideologi sistem kapitalis; narasi yang hidup di alam media dan yang memediasi pemahaman publik terhadap fungsi sosial dan kultural dari suatu pangan yang dikonsumsi, juga diamini pencitraannya, secara global. Tampak bahwa video Elia yang terbaru ini menyerukan frekuensi yang sama dalam membicarakan migrasi-migrasi dari apa-apa yang tidak konkret seiring dengan mobilitas dari yang konkret, sebagaimana hal itu juga tercermin pada proyek-proyek Youngho.

***

Sebagai penutup, perlu pula disampaikan bahwa usaha pengurasian sejumlah karya dari kedua seniman tersebut di dalam pameran ini sendiri, sebenarnya, mengandung motif untuk membuka diskusi mengenai posisi pameran seni yang merupakan ruang lingkup spesifik dan minimal, sebagai hasil dari suatu pengkondisian atmosfer yang stabil dan seimbang, yang menyediakan tempat menetap (sementara) bagi sekumpulan “kehidupan” tertentu.

Reconstructed Biotope adalah metafora untuk memaknai bahwa hasil dari praktik kesenian yang ditampilkan ke publik dalam kerangka kuratorial tertentu adalah “kumpulan kehidupan” yang dikonstruksi secara kultural. Gagasan dan objek kultural yang dihasilkan dari proses interpretasi artistik ini, disikapi layaknya makhluk hidup, yang dapat saling berinteraksi satu sama lain, baik secara dialektis maupun dialogis. Pameran seni, meskipun diadakan sebagai “biotop artifisial”, mampu menjadi jendela utama kita untuk memahami apa yang benar-benar hidup secara nyata. *

Reconstructed Biotope

English | Indonesia

Daftar Isi

TABLE OF CONTENT
Curatorial Statement | Health Protocol | Artwork Images | Essay | Artist’s Biography

Reconstructed Biotope

Group Exhibition :

Elia Nurvista
Youngho Lee

Curator :

Manshur Zikri

19 – 30 January 2021

Cemeti – Institute for Art and Society

*Plug in your own wired earphones/headphones to safely enjoy multimedia exhibits (Port audio : aux 3.5 mm jack).
Teks Pengantar

Elia Nurvista and Youngho Lee’s artistic practices are marked by an enthusiasm for representing the global migration of resources. Their practices show a striking combination of “expository tendencies” and “poetic aspirations” in composing political statements about cross-geographical events and phenomena. They utilise the diverse content that is dispersed across the information wilderness, which is increasingly formed from arbitrary sources in today’s era of technology. “The globalisation of ideals and material conditions,” is the focus of the issues that they attempt to examine by each exploring different subjects: while Elia unpacks the political behind (the leftover) food, Youngho re-maps any experimental (remnants of) sounds.

Global migration not only problematises the active movement of humans, but also encompasses ceaseless (and unlimited) exchange of inanimate objects (commodities) and abstractions (concepts), both actually and virtually. The process of migration seems influential on our senses when we translate meaning and context of what is migrated (in this case food and sound).  In response to these problems, Elia and Youngho’s artistic journey has led them to encounters with the visual jargon that represents mechanisms of data-based labour, surveillance systems, digital technology and social media in the lives of society.  Playing an analogical role in order to demonstrate the tensions between a number of binary oppositions (for instance: global-local, West-East, modern-traditional, aural-visual, ordered-random, synthetic-organic), their work uses materialistic approaches to expose imagination, memory, perception, and even stereotypes about situations that are invisible but firmly embodied. With this orientation, their works concur with the appropriation of the past and the adoption of the present.

Back to Table of Content


Panduan Kunjungan

Please read carefully our health protocols before registering a visit.

CEMETI – REOPENING VISIT INFORMATION & SAFETY MEASURES COVID-19

Cemeti – Institute for Art and Society will reopen on 19 – 30 January 2021 for Study Club Presentation: CLOTHING AS A STATE OF POWER. The safety and well-being of our visitors, artists, partners, and Cemeti team is our highest priority. Cemeti will be following the local health authorities’ guidelines to minimize the effects of this Covid-19 pandemic. The following are health and safety measures we have taken and put in place for our Cemeti team, artists, partners, and visitors.

We want to let you know that Cemeti team who are experiencing any symptoms of COVID-19 are required to remain at home and must take a Rapid or PCR/Swab test. Those who have traveled to other cities will be required to self isolate and go through a Rapid /Swab test to ensure no infection before returning to work.

HOURS & REGISTRATION

Tuesday – Saturday

11:00 – 16:30 WIB

Registration is required for entry, and all visitors must diligently adhere to health precautions. Please register at least 1 day in advance.

TIME TO VISIT

To manage the number of visitors inside the gallery, we have divided the time of visit into 4 sessions scheduled every open day, with access limited to 8 persons at a time as bellow:

11:00 – 12:00 | 12:30 – 13:30 | 14:00 – 15:00 | 15:30 16:30 

Date to Visit :

Tuesday, 19 Jan 2021

Wednesday, 20 Jan 2021

Thursday, 21 Jan 2021

Friday, 22 Jan 2021

Saturday, 23 Jan 2021

Tuesday, 26 Jan 2021

Wednesday, 27 Jan 2021

Thursday, 28 Jan 2021

Friday, 29 Jan 2021

Saturday, 30 Jan 2021

DAILY VISIT

If you are experiencing any symptoms of COVID-19 or are not feeling well, please postpone your visit until you are feeling better or until you are symptom-free.

Access

  • Paking Area: Motorbike at Cemeti’s parking area, Car at the roadside around Cemeti. 
  • Cemeti’s front door will remain closed. The entrance will be on the left side of a building.

Safety Features

  • Please follow directions from the Cemeti team. 
  • Temperature checks with a forehead scanner prior to entering the building. If you receive a reading of 100.4 °F / 38 °C or higher, we will regrettably have to deny entry into the Gallery to avoid risk of transmission. 
  • Wash hands and use hand sanitizer before entering the gallery. A handwashing station and hand sanitizer are available at entrances.
  • Face coverings are required for all visitors over the age of two, and must be worn for the duration of your visit.
  • Maintain physical distancing. Keep at least six feet from others. 
  • We have significantly increased the frequency and extent of cleaning at the gallery. All surfaces, handles, and other areas that may be touched by visitors and staff are cleaned daily during exhibitions.

To prevent transmission of the COVID-19

  • Plug in your own wired earphones/headphones to safely enjoy multimedia exhibits (Port audio : aux 3.5 mm jack).
  • No direct physical contact with the artworks.

CONTACT TRACING

All visitor’s ID/Passport will be stored securely for no less than 1 month after the exhibition closes and in accordance with the requirements of Yogyakarta Governor Regulation No.77 of 2020. ID/Passport that is not required anymore will be disposed of securely.

Back to Table of Content


Foto Karya

Artwork Images

Elia Nurvista

Savage Noble Series, No. 6 & 7

Digital print on canvas
2018/2019

A reflection on the dissonance in the meaning of objects between Eastern and Western perspectives, between the exotic and the advanced. This work is a parody that critiques Western standards of knowledge that have until now been seen as established. Consciously satirising the symbology of the Renaissance, Elia adds layers of new meaning, in line with contemporary discourses that frequently reject the magical aura of masterpieces and focus on drawing out the context of relevant issues.  This digital series is not a mockery, but rather an actual representation of how our world today remains under the power of the West.

Früchtlinge

12 mins 45 secs, color, sound, HD, 16:9
Single channel video animation
2018/2019

Departing from reflections on migrants and refugees, Elia arrives at the issue of perspective; of what is regarded as “foreign” and the characteristics of “exoticism” which follow. The animation illustrates a superpower system (which is born out of modernism; symbolised by machines) that applies signifying mechanisms, or labels, as well as protective systems, as part of a system of control and exclusion. Displaying a completely artificial nature, the nature of animation, and referring to the commodities believed to have migrated globally, Elia offers a subtle critique of Western discourses that enact social categorisation and international control mechanisms. The video critiques the issue of migrants and refugees, without presenting their attributes.

The Maladies

12 mins, color, sound, HD, 16:9
Single channel video
2021

The excesses of imperialism and colonialism are still felt in the traces of the systems that produce food as a commodity. In her searches through the internet wilderness, Elia found a video titled “About Banana,” an advertisement promoting banana’s as a healthy food, made by the banana corporation United Fruit (1935) to encourage Americans to consume more bananas. Elia addresses the issue of how monocultures change the landscapes of livelihoods and environments in many places, by imitating the style of speech in the original. By artificially changing an ecosystem through monoculture, this video presents as narrator an ordinary creature represented as a disease/epidemic resulting from these systems.

Tropical Repertoire

Fruits and carton/wood boxes installation, barcode (digital print on paper)
2021

Elia’s obsession/interest in fruit also raises self-criticism around how issues of exoticisation emerge, not only in the dichotomy of the West looking to the East. By selecting several links about fruit on the internet, based on her interest in them—from issues around agricultural labour to the use of fruit as an object, this installation seems to criticise global food production systems as well as her own obsessions with fruit as subject matter. This fruit is arranged as labelled with stickers of the kind that usually contain codes that are difficult for consumers to understand, except that these stickers actually provide consumers with access to information about the fruit, as if to configure the fruit in such a way that it can speak for itself.

Youngho Lee

You Are Not Paranoid; Observed Yourself Being Watched

Single channel video, 2 mins 23 secs, 16:9, HD, colour, sound
2018

This video which is a single-channel version of a larger project of a spatial installation titled Clinamen – Matter Misprision, shows Youngho Lee’s efforts to investigate on how we can understand the role of social media, technology, data and surveillance systems in our daily lives. It also shows the contemporary people who are attached to the media have allowed their activities to be marked, followed, monitored and traced. This illustration implies that the imagined masses in virtual reality and populism in real life are, in fact, closely related to the practice of manipulating opinions and surveillance opportunities from the state or the ruling party, which bring out the risks in limiting democracy. Ironically, the possibilities of the control society can manifest dysfunction in the development of the media itself. This video also represents how Lee responds to the relativity of advances in technology and humans by utilizing the point of view of an Eastern-oriented sensibility. If The Eastern sees technique and nature as two things that are mutually integrated into a holistic ideal, the Western sees technology and science as humans’ means to control nature.

Epilogue: SORI – Blacksmith’s Anvil

Single channel video, 9 mins 41secs, 16:9, HD, colour, sound
2020

In the history of  Western music, they tried to reduce noises in the process of improving musical instruments. But it was a particular case in the world, mostly folk instruments of the world have the opposite process. They made all kinds of efforts to add noises to instruments, though it’s not necessary to perform with a musical note. Over time the concept of noise has changed. The overtone, which makes harmonic resonance, was considered a kind of noise and has been assumed as an issue so that it was theorized scientifically. On the other hand, it was called “angel voice”, and considered to be sacred. Metallic music instruments that contained a lot of overtones are used in the church and the temple. Futurist painter Luigi Russolo had a desire to produce original music with metal and machine. Interestingly, his music called the first noise music featured some imitated metallic sound. Metallic sound is made by humans, and sounds beyond various boundaries – also this material is used as trading, money and weapons. It is different from the noises of thunder, wind, waterfall, rivers, streams and leaves – the natural sounds. Metallic noise has a pretty strong impact on our minds – and it sounds ominous but sacred – in the movie “Oedipus Rex” of Pasolini, the sound of messenger’s bell is sounded with evil information. And in “The Bells” of  Edgar Allan Poe’s poem, the bell has an anxiety and sadness sound. When we think about our condition when we are listening to music, digital technology enables music without noise. Theoretically we can digitally turn all sounds into data and remove the redundant noises. It means, now we listen to the artificial sound. It’s no longer the same kind of music it was a decade ago. In other words, now we can realize the importance of noises playing a role in music because of the development of digital technology.

If we try to reduce more noise, the noise will affect the mind furthermore. The sound doesn’t disappear as long as there is air. As Luigi Russolo wrote, we are in noises life now. But our ears rejoice in it which the ear of an eighteenth-century man never could have withstood, for they are attuned to modern life, rich in all sorts of noises. We’ll be listening to and making music as Pythagoras found the sounds of their anvils were beautiful and harmonious and discovered Pythagorean tuning in the blacksmith at war.(Description is retrieved from https://kinomusicproject.com/).

Photo studio Project – Episode 1

Single channel video, 4 mins 19 secs, HD, colour, sound
2010

Lee shows his special interest in photo studios as it begins to be forgotten by the rapid development of digital media. In the process of Korea’s modernization, the family pictures that hung in photo studios served as the ideal family model, and the photographers who are affiliated with photo studios carried out their role as a medium that embodies the happy family image prescribed by Korean society. 
Lee is still in the process of carrying out this Photo Studio Projects by visiting photo studios and interviewing photographers. His first project involved the reconstruction of an old photo studio named “Yoonoo” —still existing— through photomontage and interviews with the owner of the studio. He hopes to shed new light on photo shops, in general, as a medium that spreads family ideology in Korean society. (Description was retrieved from Arkomedia Distribution Catalogue 2010 – 2011, pp. 60-61).

SOUNDTRACK: Biotope – Temporary Protectorate

Single channel video, 8 mins 9 secs, 16:9, HD, colour, sound
2019

Framing the development of the musical rhythms of Seoul and South Korea, this video attempts to question on how appropriation and postcolonial transition processes are applied to contemporary rhythms. It is motivated by the historical growth of the entertainment industry since the Korean War, the times when traditional culture and Korean style are reinterpreted, as well as the fusion of folk songs or the nation’s traditional instruments blending with Western pop music, and the history of how the Korean government uses popular culture for propaganda purposes through the development of mass media (television and radio stations). This video is part of a research, exploration and appropriation of images and texts from various archives, recorded sources from various collections, as well as an exploration of the rich history that exists in various publications, artefacts, and music and films products made and collected from the 1960s to 1970s in South Korea. Through this video, the artist also wants to protect and reenact the audio-visual recordings like a biotope in which authentic Korean tones refer to busy big cities.

Pencil of Nox

Photography
Variable dimensions, 5 pieces
2008

A new set of collaged photographs present the level of various time and space, enabling the imaginations of multi-scalar variations. Heterogeneous visual materials of Computer-Generated and Chroma Key shot montage of objects merge into a polyphonic coexistence with the multi-layered synthetic. As soon as viewers realize that these photographs are not depicting reality, they may begin to search for the intention of the artist and try to find answers to these questions. This is a set of collaged photographs that evoke the stranger proposal of Wolf Wostell, but with less bombastic, symbolizing the artist’s understanding and responses to his environment.The cities depicted here are like the great megalopolises of South Korea and Germany, energetic organic places, whilst so fluid in fact that it appears to evolve before your very eyes. It’s a fluidity that affords the artists’ roughly sketched proposals for “an-architectural” interventions huge freedom—a floppy balloon that could have clings to an apartment block the formidable geometric shape suggests a Matta-Clark cut on the end of the shabby gable. This is a world where anything is possible, a frenetic, sometimes trippy world, a place that lies somewhere at a time between now and then.

Exhibition View

Back to Table of Content


Esai Pameran

Essay

Mediated Resource Migration; Constructed Cultural Biotope

The issue that forms the basis of the artistic practices of Elia Nurvista and Youngho Lee, through which they attempt to draw connecting threads in this exhibition, is an enthusiasm for representing the phenomena of global migration of resources. They have investigated a number of these sources as historical issues, while others have been collected from contemporary encounters.

Back to Table of Content


Biografi Seniman

Biografi Seniman

ELIA NURVISTA was born in Yogyakarta and attained a Bachelor of Fine Art from the Indonesian Institute of Art in 2010. She is interested in exploring various art mediums with interdisciplinary approaches and foci on discourses of food. Through food she attempts to examine issues of power, social inequity and global economies. Elia has participated in several artist residencies, including the Koganecho Bazaar Artist in Residence, Yokohama (2012), “Politics of Food” di Delfina Foundation, London (2014), Taipei Artist Village, Taipei (2014), Choreographer’s LAB di Künstlerhaus Mousonturm, Frankfurt am Main (2016), and a one year residency at Künstlerhaus Bethanien, Berlin (2018-19). In 2015 she initiated a study group focused on food, Bakudapan, with colleagues from various disciplines, especially anthropology and philosophy. Bakudapan is conducted with the principle of mutual sharing based on friendship amongst its members. Along with Bakudapan, Elia researches food in socio-political and cultural contexts. Elia currently lives and works in Yogyakarta, Indonesia.

YOUNGHO LEE was born in Seoul, Korea Selatan, dan attained his Master’s of Fine Arts from Hochschule für Bildende Künste in 2006. His artistic practice explores the relative advancement of technology and people, whereby the idea of relativity is rooted in a particularly oriental sensibility and perspective. His work takes the form of film installations or multi-screen videos. In his installations, he investigates socio-historical motifs in visual apparatus and restructures critical concepts around phenomena of contemporary media, and the city as a theatre for fantasies that stimulate the senses and play with time and space. His work also tries to identify the connections between (digital and analogue) media and human senses, by manifesting models of synthetic environments. As an artist, he has participated in residency programs at Künstlerhaus Bethanien, Berlin, Germany (2018-2019), Seoul Art Space Geumcheon Residency, South Korea (2016-2017), Asia Culture Center/ACT Creator Residency, South Korea (2015-2016) and Kuenstlerdorf Schoeppingen, NRW, Germany (2011), and participated in several exhibitions including at Kunstforum Floesheim, Anita Becker Galerie, Staedelmuseum, Arko Art Center, Daegu Museum, and the Asia Culture Center. Several of his works are in the permanent collection of the Kunstforum Mainturm, Germany, and the National Museum of Contemporary Art, Korea.

Back to Table of Content

Reconstructed Biotope

English | Indonesia

Daftar Isi

DAFTAR ISI
Pernyataan Kuratorial | Panduan Kunjungan | Foto Karya | Esai Pameran | Wawancara Seniman | Biografi Seniman

Reconstructed Biotope

Pameran Kelompok :

Elia Nurvista
Youngho Lee

Kurator :

Manshur Zikri

19 – 30 Januari 2021

Cemeti – Institut untuk Seni dan Masyarakat

*Pengunjung menggunakan earphone / headphone milik pribadi untuk menikmati pameran multimedia dengan aman (Audio port : aux 3,5 mm)
Teks Pengantar

Praktik artistik Elia Nurvista dan Youngho Lee mempunyai antusiasme dalam merepresentasikan migrasi global sumber-sumber daya. Praktik mereka menunjukkan kombinasi yang menyengat antara “kecenderungan ekspositori” dan “aspirasi puitis” dalam menyusun pernyataan-pernyataan politis terkait fenomena atau kejadian-kejadian lintas geografis, memanfaatkan ragam konten yang tersebar di belantara informasi yang semakin menjelma menjadi sumber arbitrari di era teknologis hari ini. “Globalisasi dari kondisi-kondisi material sekaligus ideal”, itulah kisaran isu yang mereka coba selidiki dengan menjelajahi subjek yang berbeda satu sama lain: sementara Elia mengurai sesuatu yang politis di balik [sisa-sisa] makanan, Youngho memetakan ulang apa pun yang eksperimental dari [sisa-sisa] bebunyian.

Migrasi global yang tidak hanya menyoal perpindahan aktif manusia, tetapi juga mencakup tukar-menukar tanpa henti (dan juga tanpa batas) benda mati (komoditas) dan abstrak (gagasan), baik secara aktual maupun virtual. Proses migrasi itu agaknya memengaruhi indra kita ketika menerjemahkan makna dan konteks dari apa-apa yang bermigrasi (dalam hal ini, makanan dan bebunyian). Menanggapi permasalahan itu, penjelajahan artistik Elia dan Youngho pun singgah dan bertemu pada jargon-jargon visual yang merepresentasikan mekanisme dari kerja berbasis data, sistem pengawasan, teknologi digital, dan media sosial di dalam kehidupan masyarakat. Memainkan peran analogis untuk menunjukkan tegangan-tegangan di antara sejumlah oposisi biner (misalnya: global-lokal, Barat-Timur, modern-tradisional, aural-massal, teratur-acak, sintetik-organik), karya mereka memanfaatkan pendekatan materialistik untuk memaparkan imajinasi, memori, wawasan, bahkan stereotipe tentang situasi-situasi yang tak kasatmata tapi tegas menubuh. Dengan orientasi-orientasi demikian, karya-karya mereka mengamini apropriasi dari yang lampau ataupun adopsi dari yang masa kini.

Kembali ke Daftar Isi


Panduan Kunjungan

Harap baca dengan seksama protokol kesehatan kami sebelum melakukan registrasi kunjungan.

CEMETI – TINDAKAN PENCEGAHAN COVID-19

Cemeti – Institut untuk Seni dan Masyarakat akan dibuka pada 19 – 30 Januari 2021 dalam rangka Pameran Kelompok Elia Nurvista & Youngho Lee: RECONSTRUCTED BIOTOPE. Keselamatan dan kesehatan pengunjung, seniman, mitra, dan tim Cemeti adalah prioritas utama kami. Cemeti akan mengikuti rekomendasi otoritas setempat untuk meminimalisir dampak pandemi Covid-19. Berikut ini adalah tindakan pencegahan yang telah dan sedang kami lakukan untuk tim Cemeti, seniman, mitra, dan pengunjung kami.

Kami memberitahukan bahwa, sejauh ini apabila tim Cemeti mengalami gejala COVID-19, maka diwajibkan untuk tetap berada di rumah dan melakukan Rapid Test atau PCR/Swab Test. Tim Cemeti yang telah bepergian ke luar kota diharuskan untuk mengisolasi diri dan melakukan Rapid Test/Swab Test untuk memastikan tidak adanya penularan sebelum kembali bekerja.

WAKTU KUNJUNGAN & PENDAFTARAN

Selasa – Sabtu

11:00 – 16:30 WIB

Registrasi diwajibkan untuk setiap kunjungan dan semua pengunjung harus mematuhi protokol kesehatan. Silakan registrasi 1 hari sebelum hari kunjungan yang anda inginkan. Registrasi untuk kunjungan di hari yang sama tidak dimungkinkan.

WAKTU KUNJUNGAN

Untuk mengatur jumlah pengunjung di dalam galeri, kami telah menyediakan 4 sesi kunjungan terjadwal pada setiap hari kerja, dengan kuota terbatas untuk 8 orang seperti di bawah ini :

11:00 – 12:00 | 12:30 – 13:30 | 14:00 – 15:00 | 15:30 16:30 

Tanggal kunjungan :

Selasa, 19 Jan 2021

Rabu, 20 Jan 2021

Kamis, 21 Jan 2021

Jumat, 22 Jan 2021

Sabtu, 23 Jan 2021

Selasa, 26 Jan 2021

Rabu, 27 Jan 2021

Kamis, 28 Jan 2021

Jumat, 29 Jan 2021

Sabtu, 30 Jan 2021

KUNJUNGAN HARIAN

Jika Anda mengalami gejala COVID-19 atau merasa kurang sehat, harap tunda kunjungan Anda sampai kondisi lebih baik.

Akses

  • Area Parkir : Sepeda motor di area parkir Cemeti, sedangkan untuk mobil disediakan di tepi jalan sekitar area Cemeti.
  • Pintu depan Cemeti akan tetap ditutup. Pintu masuk terdapat di sisi kiri gedung.

Langkah Pencegahan

  • Harap ikuti petunjuk dari staff.
  • Lakukan pemeriksaan suhu badan menggunakan thermogun sebelum memasuki gedung. Jika suhu Anda mencapai 100,4°F / 38°C atau lebih tinggi, kami akan meminta Anda untuk berkunjung di hari lain.
  • Cuci tangan Anda dan gunakan hand sanitizer sebelum memasuki ruang galeri. Fasilitas cuci tangan dan hand sanitizer akan disediakan di pintu masuk.
  • Semua pengunjung berusia di atas dua tahun wajib menggunakan face shield atau masker dan harus dipakai selama kunjungan.
  • Menerapkan physical distancing. Jaga jarak setidaknya sekitar 1 – 2 meter (6 kaki) dari orang lain.
  • Kami telah meningkatkan kebersihan secara signifikan di ruang galeri. Seluruh area yang dapat disentuh dan dipegang oleh pengunjung dan staf, dibersihkan setiap hari secara reguler selama pameran berlangsung.

Untuk mencegah penyebaran virus COVID-19

  • Pengunjung menggunakan earphone / headphone milik pribadi untuk menikmati pameran multimedia dengan aman (Audio port : aux 3,5 mm).
  • Tidak ada kontak fisik secara langsung dengan karya.

PELACAKAN DATA KONTAK

Seluruh data pengunjung akan disimpan dengan aman tidak kurang dari 1 bulan setelah pameran ditutup dan sesuai dengan persyaratan Peraturan Gubernur Daerah Istimewa Yogyakarta No.77 tahun 2020. Data yang tidak diperlukan setelah waktu tersebut akan dibuang dengan aman.

Kembali ke Daftar Isi


Foto Karya

Foto Karya

Elia Nurvista

Savage Noble Series, No. 6 & 7

Digital print on canvas
2018/2019

Refleksi tentang ketaksaan makna suatu objek dalam pertentangan cara pandang antara yang Timur dan Barat, antara yang eksotis dan yang maju. Karya ini adalah sebuah parodi yang mengkritisi standar pengetahuan Barat yang selama ini dianggap mapan. Dengan sengaja menyindir simbologi Renaisans, Elia menambahkan lapisan makna baru seturut dengan wacana kontemporer yang kerap berpaling dari aura magis adikarya, dan lebih fokus menarik konteks isu-isu yang relevan. Seri cetak digital ini bukanlah olok-olok, melainkan representasi aktual tentang kondisi dunia hari ini yang masih dibayangi kekuasaan Barat sejak lama.

Früchtlinge

12 mins 45 secs, color, sound, HD, 16:9
Single channel video animation
2018/2019

Berangkat dari refleksinya mengenai migran dan pengungsi, Elia tiba pada masalah tentang cara pandang; tentang apa yang dianggap “asing” dan ciri khas “eksotis” yang mengikutinya. Animasi ini mewakili upayanya dalam mengilustrasikan suatu sistem adidaya (yang lahir dari buah modernisme; diwakili oleh simbologi mesin) yang menerapkan suatu mekanisme penandaan, atau pelabelan, juga sistem proteksi, sebagai bagian dari sistem kontrol dan eksklusi. Mempertunjukkan alam yang artifisial sama sekali, alam animasi, dan mengacu objek komoditas yang diyakini telah bermigrasi secara global, Elia menawarkan kritik yang begitu subtil terhadap wacana Barat yang telah memberlakukan kategorisasi sosial dan aturan kontrol lintas negara. Video ini adalah sebuah kritik atas isu migran dan pengungsi tanpa menghadirkan atribut-atribut mereka.

The Maladies

12 mins, color, sound, HD, 16:9
Single channel video
2021

Ekses dari imperialisme dan kolonialisme masih terasa jejaknya dalam persoalan sistem produksi komoditas pangan. Dalam pencariannya terkait hal ini melalui rimba internet, Elia menemukan video berjudul “About Banana”, yang merupakan video propaganda pisang sebagai makanan sehat yang dibuat oleh perusahaan pisang United Fruit (1935) supaya orang Amerika lebih banyak mengkonsumsi pisang. Elia menjukstaposisikan persoalan bagaimana pertanian monokultur mengubah lanskap kehidupan dan alam di banyak tempat, melalui cara bertutur yang ditiru dari video aslinya. Dengan mengubah sebuah ekosistem secara artifisial melalui sistem monokultur, video ini menghadirkan makhluk yang biasa direpresentasikan sebagai penyakit/wabah yang dihasilkan dari sistem tersebut sebagai narator utama dalam video ini.

Tropical Repertoire

Fruits and carton/wood boxes installation, barcode (digital print on paper)
2021

Obsesi/ketertarikan Elia terhadap buah-buahan juga memunculkan otokritik bagaimana persoalan eksotisasi muncul, tidak hanya dalam dikotomi Barat memandang Timur. Dengan menyeleksi berbagai tautan perihal buah-buahan yang bertebaran di internet berdasar ketertarikannya itu, mulai dari persoalan buruh agrikultur hingga penggunaan buah sebagai objek, instalasi ini diasumsikan sebagai sebuah bangunan komposisi yang menunjukan kritik akan sistem pangan global sekaligus obsesinya atas buah sebagai sebuah material. Buah-buahan ini disusun dan dilabeli dengan stiker, yang biasanya memuat kode yang tidak mudah dipahami oleh konsumennya, namun di sini stiker tersebut justru merupakan akses konsumen untuk menyelami pengetahuan soal buah, seakan-akan buah-buahan tersebut berkonfigurasi untuk berbicara atas dirinya sendiri.

Youngho Lee

You Are Not Paranoid; Observed Yourself Being Watched

Single channel video, 2 mins 23 secs, 16:9, HD, colour, sound
2018

Video ini, yang merupakan versi kanal tunggal dari proyek yang lebih besar berupa instalasi spasial bertajuk Clinamen – Matter Misprision, menunjukkan upaya dari Youngho Lee dalam menyelidiki bagaimana kita memahami peran media sosial, teknologi, data, dan sistem pengawasan di dalam kehidupan kita. Video ini juga menunjukkan betapa manusia kontemporer yang lekat dengan aktivitas media telah membiarkan aktivitas sehari-harinya ditandai, diikuti, diawasi, dan ditelusuri. Ilustrasi ini menyiratkan bahwa massa terbayang (dalam realitas virtual) maupun populisme dalam kehidupan nyata, sesungguhnya, erat bersanding dengan praktik manipulasi opini dan peluang-peluang pengawasan dari negara atau pihak penguasa, yang memunculkan risiko dalam pembatasan demokrasi. Secara ironis, kemungkinan-kemungkinan dari masyarakat kontrol tersebut justru juga bisa memanifestasikan suatu disfungsi dari perkembangan media itu sendiri. Video ini juga mewakili bagaimana Youngho menyikapi relativitas kemajuan teknologi dan manusia dengan memanfaatkan sudut pandang dari sensibilitas yang berorientasi ketimuran. Jika Timur melihat teknik dan alam sebagai dua hal yang saling berintegrasi ke dalam suatu cita-cita holistik, dunia Barat justru menganggap teknologi dan sains sebagai sarana manusia untuk mengontrol alam.

Epilogue: SORI – Blacksmith’s Anvil

Single channel video, 9 mins 41secs, 16:9, HD, colour, sound
2020

Dalam sejarah musik Barat, mereka berusaha mereduksi bebunyian dalam proses menyempurnakan alat musik. Tapi itu kasus tertentu di dunia, sebagian besar alat musik rakyat di berbagai belahan dunia memiliki proses yang berlawanan. Mereka melakukan segala macam upaya untuk menambahkan bunyi pada instrumen, meskipun tidak perlu tampil dengan not musik. Konsep kebisingan telah berubah seiring waktu. Overtone, yang membuat resonansi harmonis, dulu disikapi sebagai jenis kebisingan dan dianggap menjadi masalah hingga diteorikan secara ilmiah. Di sisi lain, ia juga disebut “suara malaikat”, dan dianggap sakral. Alat musik metalik yang mengandung banyak nuansa digunakan di gereja dan kuil. Pelukis futuris Luigi Russolo memiliki minat besar untuk menghasilkan musik orisinal dengan metal dan mesin. Menariknya, musiknya yang disebut musik noise pertama menampilkan beberapa bunyi metalik buatan. Bunyi metalik dibuat oleh manusia, dan terdengar melampaui berbagai batasan—material metalik digunakan untuk perdagangan, uang, dan senjata. Bebunyian yang dihasilkannya berbeda dari suara guntur, angin, air terjun, sungai, aliran dan dedaunan—bebunyian alam. Derau logam berdampak cukup kuat di pikiran kita—dan terdengar tidak menyenangkan namun sakral—dalam film Oedipus Rex-nya dari Pasolini, bunyi lonceng pembawa pesan dibunyikan dengan informasi yang jahat. Dan dalam puisi The Bells-nya Edgar Allan Poe, lonceng mempunyai bunyi kegelisahan dan kesedihan. Saat kita memikirkan keadaan kita ketika mendengarkan musik, teknologi digital memungkinkan musik tanpa bising. Secara teoritis, kita dapat membuat semua suara menjadi data secara digital dan membuang suara yang berlebihan. Artinya, sekarang kita mendengarkan suara buatan. Ini bukan lagi jenis musik yang sama seperti satu dekade lalu. Dengan kata lain, sekarang kita dapat menyadari betapa pentingnya bebunyian berperan dalam sebuah music justru karena perkembangan teknologi digital.

Jika kita mencoba mengurangi kebisingan lebih lanjut, kebisingan tersebut akan mempengaruhi pikiran lebih jauh. Suara tidak hilang selama masih ada udara. Seperti yang ditulis Luigi Russolo, kita berada dalam kehidupan yang bising sekarang. Tetapi telinga kita bersuka cita karena telinga manusia abad kedelapan belas tidak akan pernah bisa bertahan, karena telinga kita selaras dengan kehidupan modern, kaya akan segala jenis bebunyian. Kita akan mendengarkan dan membuat musik selayaknya Pythagoras menemukan bunyi paron yang indah dan harmonis dan menemukan penyeteman Pythagorean pandai besi. (Deskripsi diambil dari https://kinomusicproject.com/).

Photo studio Project – Episode 1

Single channel video, 4 mins 19 secs, HD, colour, sound
2010

Youngho menunjukkan minat khusus pada studio foto karena mereka mulai terlupakan dengan pesatnya perkembangan media digital. Dalam proses modernisasi Korea, foto keluarga yang digantung di studio foto berfungsi sebagai model keluarga yang ideal, dan fotografer yang berafiliasi dengan studio foto menjalankan peran mereka sebagai media yang mewujudkan citra keluarga bahagia yang ditentukan oleh masyarakat Korea. Youngho, dalam proses melaksanakan Proyek Studio Foto ini, mengunjungi studio foto dan mewawancarai fotografer. Proyek pertamanya melibatkan rekonstruksi studio foto lama bernama “Yoonoo” —masih ada—melalui montase foto dan wawancara dengan pemilik studio. Ia berharap bisa memberi penerangan baru pada toko foto secara umum sebagai media penyebaran ideologi keluarga di masyarakat Korea. (Deskripsi karya diambil dari Arkomedia Distribution Catalogue 2010 – 2011, hal. 60-61).

SOUNDTRACK: Biotope – Temporary Protectorate

Single channel video, 8 mins 9 secs, 16:9, HD, colour, sound
2019

Membingkai perkembangan dari irama musikal Seoul dan Korea Selatan, video ini berupaya mempertanyakan bagaimana apropriasi dan proses peralihan pascakolonial diterapkan pada irama-irama masa kini. Dilatarbelakangi oleh sejarah pertumbuhan industri hiburan sejak Perang Korea, masa-masa ketika budaya tradisional dan gaya kehidupan Korea diinterpretasi, juga tentang perpaduan antara lagu rakyat ataupun instrumen tradisional bangsa itu yang berpadu dengan musik pop Barat, serta sejarah tentang bagaimana pemerintah Korea menggunakan budaya populer untuk tujuan propaganda melalui pembangunan media massa (stasiun televisi dan radio). Video ini adalah bagian dari sebuah riset, penggalian, dan apropriasi citra-citra dan teks-teks dari berbagai arsip, sumber-sumber rekaman dari berbagai koleksi, juga penjelajahan terhadap kekayaan sejarah yang ada pada berbagai publikasi, artefak, serta produk-produk musik dan film yang dibuat dan dikumpulkan sejak periode 1960 hingga 1970-an di Korea Selatan. Melalui video ini pula, si seniman ingin melindungi dan menghidupkan kembali rekaman-rekaman audiovisual tersebut layaknya sebuah biotop yang di dalamnya nada-nada autentik Korea mengacu kota-kota besar yang sibuk.

Pencil of Nox

Photography
Variable dimensions, 5 pieces
2008

Kumpulan foto kolase yang menyuguhkan strata dari berbagai ruang dan waktu, memungkinkan variasi multi-skalar imajinasi. Materi visual yang heterogen dari gambar montase berbasis computer-generated dan Chromakey dari objek, bergabung ke dalam koeksistensi polifonik dengan lingkungan sintetis yang berlapis-lapis. Begitu penonton menyadari bahwa foto-foto ini tidak menggambarkan kenyataan, mereka mungkin akan mulai mencari intensi si seniman dan mencoba menemukan jawaban atas pertanyaan tersebut. Ini adalah seri foto kolase yang membangkitkan proposal Wolf Wostell yang lebih aneh, tetapi tidak bombastis, melambangkan pemahaman dan tanggapan seniman terhadap lingkungannya. Kota-kota yang digambarkan di sini, seperti megalopolis besar Korea Selatan dan Jerman, tempat-tempat organik yang energik, sementara, begitu cair sehingga tampak berevolusi di depan mata Anda. Ini adalah fluiditas yang memberikan sketsa kasar si seniman mengenai intervensi arsitektural sebuah kebebasan besar–gelembung lembek yang bisa jadi menempel pada blok apartemen, bentuk geometris yang dahsyat mengusulkan sayatan layaknya torehan Matta-Clark di ujung atap pelana yang lusuh. Ini adalah dunia di mana segala sesuatu mungkin terjadi, dunia yang hingar-bingar, terkadang trippy, tempat yang terletak di suatu tempat pada suatu waktu antara sekarang dan nanti.

Exhibition View

Kembali ke Daftar Isi


Esai Pameran

Esai Pameran

Migrasi Sumber Daya Termediasi; Biotope Budaya Terkonstruksi

Hal yang melandasi hubungan artistik antara Elia Nurvista dan Youngho Lee, yang coba ditarik benang merahnya dalam pameran ini, adalah antusiasme dari praktik mereka yang berusaha merepresentasikan gejala dari migrasi global sumber daya-sumber daya. Beberapa di antara sumber-sumber tersebut telah diteliti sebagai hal-hal kesejarahan, sedangkan yang lainnya cukup sering dipungut sebagai temuan-temuan kontemporer.

Kembali ke Daftar Isi


Wawancara Seniman

Wawancara Seniman

Kembali ke Daftar Isi


Biografi Seniman

Biografi Seniman

ELIA NURVISTA lahir di Yogyakarta, memperoleh gelar BFA dari Institut Seni Rupa Indonesia (2010). Ia tertarik mengeksplorasi berbagai medium seni dengan pendekatan interdisipliner dan fokus pada wacana tentang makanan. Melalui makanan, ia bermaksud untuk mencermati isu-isu mengenai kekuasaan, ketimpangan sosial, dan ekonomi global. Elia telah berpartisipasi dalam beberapa kegiatan residensi seniman, antara lain Koganecho Bazaar Artist in Residence, Yokohama (2012), program “Politics of Food” di Delfina Foundation, London (2014), Taipei Artist Village, Taipei (2014), Choreographer’s LAB di Künstlerhaus Mousonturm, Frankfurt am Main (2016), dan satu tahu residensi di Künstlerhaus Bethanien, Berlin (2018-19). Pada tahun 2015 ia menginisiasi kelompok studi makanan, bernama Bakudapan, dengan rekan-rekan dari berbagai disiplin ilmu, terutama antropologi dan filsafat. Bakudapan berjalan dengan prinsip saling melengkapi berdasarkan hubungan persahabatan antar anggota. Bersama Bakudapan, ia melakukan penelitian tentang pangan dalam konteks sosial politik dan budaya. Elia saat ini tinggal dan bekerja di Yogyakarta, Indonesia.

YOUNGHO LEE lahir di Seoul, Korea Selatan, dan meraih gelar Master di bidang Seni Rupa dari Hochschule für Bildende Künste tahun 2006. Praktik artistiknya mengeksplorasi relativitas kemajuan teknologi dan manusia, di mana ide relativitas tersebut berakar pada sensibilitas dan perspektif oriental yang khas. Karya-karyanya mengambil bentuk instalasi film atau video multilayar. Dalam instalasi-instalasinya, ia menggali motif-motif sosiohistoris dari aparatus visual dan merestrukturisasi gagasan kritis tentang fenomena media kontemporer dan kota sebagai teater fantasi yang merangsang sensori akan permainan ruang dan waktu. Karya-karyanya juga berusaha mengidentifikasi hubungan antara media (digital dan analog) dan indra manusia lewat pewujudan model-model lingkungan sinestetik. Sebagai seniman, ia telah berpartisipasi dalam program residensi di Künstlerhaus Bethanien, Berlin, Jerman (2018-2019), Seoul Art Space Geumcheon Residency, Korea Selatan (2016-2017), Asia Culture Center/ACT Creator Residency, Korea Selatan (2015-2016), Kuenstlerdorf Schoeppingen, NRW, Jerman (2011), dan mengikuti berbagai pameran, antara lain di Kunstforum Floesheim, Anita Becker Galerie, Staedelmuseum, Arko Art Center, Daegu Museum, dan Asia Culture Center. Beberapa karyanya juga telah menjadi koleksi permanen di Kunstforum Mainturm, Jerman, dan Museum Nasional Seni Kontemporer, Korea.

Kembali ke Daftar Isi

Diskusi Publik “Pakaian dan Tubuh: Aksi, Reaksi, Persepsi”

Acara ini adalah bagian dari presentasi publik/pameran “Clothing As A State of Power” (11 – 31 Desember 2020) di galeri Cemeti – Institut untuk Seni dan Masyarakat.

Menghadirkan pembicara (partisipan pameran), antara lain: Candrani Yulis, Mella Jaarsma, Yosep Arizal dan penanggap, antara lain: Arham Rahman, Doni Maulistya, Gusnita Linda, Ipeh Nur, Nia Agustina juga dimoderatori oleh Manshur Zikri (Manajer Artistik/Kurator Cemeti)

Study Club: Clothing as A State of Power” adalah kelompok belajar tentang busana yang diinisiasi oleh Mella Jaarsma dan dikelola bersama Inkubator Inisiatif sejak November 2019. Kelompok ini mengkaji secara spesifik topik-topik yang berkaitan dengan hubungan antara busana dan kekuasaan. Mendayagunakan beragam sudut pandang yang lintas disiplin, hasil studi lantas dikembangkan dan dikelola melalui pendekatan seni. Menjadi bagian dalam proses panjang kelompok belajar tersebut, acara presentasi publik ini diselenggarakan oleh Inkubator Inisiatif bekerja sama dengan Cemeti – Institut untuk Seni dan Masyarakat.

Diskusi Publik “Pakaian dan Penampilan: Kontekstual, Komunal, Sosial”

Acara ini adalah bagian dari presentasi publik/pameran “Clothing As A State of Power” (11 – 31 Desember 2020) di galeri Cemeti – Institut untuk Seni dan Masyarakat.

Menghadirkan pembicara (partisipan pameran), antara lain: Eldhy Hendrawan, Karina Roosvita, Lashita Situmorang, dan Nona Yoanishara dan penanggap, antara lain: Abdi Karya, Arsita Iswardhani, FX Harsono, dan Ikun SK juga dimoderatori oleh Manshur Zikri (Manajer Artistik/Kurator Cemeti)

Study Club: Clothing as A State of Power” adalah kelompok belajar tentang busana yang diinisiasi oleh Mella Jaarsma dan dikelola bersama Inkubator Inisiatif sejak November 2019. Kelompok ini mengkaji secara spesifik topik-topik yang berkaitan dengan hubungan antara busana dan kekuasaan. Mendayagunakan beragam sudut pandang yang lintas disiplin, hasil studi lantas dikembangkan dan dikelola melalui pendekatan seni. Menjadi bagian dalam proses panjang kelompok belajar tersebut, acara presentasi publik ini diselenggarakan oleh Inkubator Inisiatif bekerja sama dengan Cemeti – Institut untuk Seni dan Masyarakat.

Clothing as A State of Power

English | Indonesia

Daftar Isi

DAFTAR ISI
Teks Pengantar | Panduan Kunjungan | Foto Karya | Dokumentasi | Biografi Seniman

Study Club Presentation

Clothing as A State of Power

11 – 31 Desember 2020

Cemeti – Institut untuk Seni dan Masyarakat
Jalan D. I. Panjaitan, No.41, Kelurahan Mantrijeron
Kecamatan Mantrijeron, 55143
Yogyakarta

Teks Pengantar

Busana yang kita kenakan tidak akan pernah lepas dari sistem hidup masyarakat, di mana pun itu. Kekuasaan niscaya terefleksikan melalui pakaian dan tubuh yang mengenakannya. Bukan hanya kekuasaan dalam pengertian struktural (misalnya, hubungan antara kelompok dominan dan subordinat), tetapi juga yang non-agensial dan non-struktural, yaitu tentang “kekuasaan yang ada di mana-mana dan berasal dari mana-mana”. Menyelisik kompleksitas suatu relasi kekuasaan dapat dilakukan, salah satunya, dengan menelaah busana, entah dari aspek mekanisme produksi atau pun dari sisi proses pemaknaannya di masyarakat.

Presentasi publik ini membentangkan ragam interpretasi yang setidaknya berangkat dari tujuh kata kunci yang digali secara personal oleh masing-masing partisipan ketika membicarakan pakaian dalam hubungannya dengan kekuasaan: identitas, citra, fungsi, gender, ideologi, seragam dan simbol, serta makna dan ingatan. Alih-alih pameran, pemunculan karya-karya pada “Clothing as A State of Power” disebut sebagai ‘presentasi’ karena berangkat dari hasil studi yang masih akan terus berlangsung. Dikembangkan dengan riset mandiri terhadap isu-isu aktual yang terkait pakaian, setiap partisipan mencoba memaparkan, dari sudut pandang artistik, bagaimana kekuasaan menjelma dan berada sebagai determinasi sosial lewat material dan visual yang kita gunakan sehari-hari.

“Study Club: Clothing as A State of Power” adalah kelompok belajar tentang busana yang diinisiasi oleh Mella Jaarsma dan dikelola bersama Inkubator Inisiatif sejak November 2019. Kelompok ini mengkaji secara spesifik topik-topik yang berkaitan dengan hubungan antara busana dan kekuasaan. Mendayagunakan beragam sudut pandang yang lintas disiplin, hasil studi lantas dikembangkan dan dikelola melalui pendekatan seni. Menjadi bagian dalam proses panjang kelompok belajar tersebut, acara presentasi publik ini diselenggarakan oleh Inkubator Inisiatif bekerja sama dengan Cemeti – Institut untuk Seni dan Masyarakat.

Partisipan Study Club :

Candrani Yulis

Eldhy Hendrawan

Karina Roosvita

Lashita Situmorang

Mella Jaarsma

Nona Yoanishara

Yosep Arizal

Pembukaan

Jumat, 11 Desember 2020 | 18:30 – 20:00 WIB

*Terbatas untuk 15 orang melalui registrasi.

Kunjungan Harian

12 – 30 Desember 2020

Selasa – Sabtu | 10:00 – 17:00 WIB

4 sesi per hari (kecuali 15 – 16 Desember 2020 hanya 2 sesi)

*Tutup tanggal 24 – 25 Desember untuk Libur Natal.
*Terbatas untuk 8 orang per sesi melalui registrasi.

Seniman Wicara

*Terbatas hanya dalam format daring

15 – 16 Desember 2020

Sesi #1
Selasa, 15 Desember 2020
15:00 – 16:30 WIB

Sesi #2
Rabu, 16 Desember 2020
15:00 – 16:30 WIB

Kembali ke daftar isi


Panduan Kunjungan

Harap baca dengan seksama protokol kesehatan kami sebelum melakukan registrasi kunjungan.

CEMETI – TINDAKAN PENCEGAHAN COVID-19

Cemeti – Institut untuk Seni dan Masyarakat akan segera dibuka kembali pada 11 – 31 Desember 2020 dalam rangka Presentasi Study Club: CLOTHING AS A STATE OF POWER. Keselamatan dan kesehatan pengunjung, seniman, mitra, dan tim Cemeti adalah prioritas utama kami. Cemeti akan mengikuti rekomendasi otoritas setempat untuk meminimalisir dampak pandemi Covid-19. Berikut ini adalah tindakan pencegahan yang telah dan sedang kami lakukan untuk tim Cemeti, seniman, mitra, dan pengunjung kami.

Kami memberitahukan bahwa, sejauh ini apabila tim Cemeti mengalami gejala COVID-19, maka diwajibkan untuk tetap berada di rumah dan melakukan Rapid Test atau PCR/Swab Test. Tim Cemeti yang telah bepergian ke luar kota diharuskan untuk mengisolasi diri dan melakukan Rapid Test/Swab Test untuk memastikan tidak adanya penularan sebelum kembali bekerja.

WAKTU KUNJUNGAN & PENDAFTARAN

Selasa – Sabtu | 11:00 – 16:30 WIB

Tutup tanggal 24 – 25 Des untuk Libur Natal

Registrasi diwajibkan untuk setiap kunjungan dan semua pengunjung harus mematuhi protokol kesehatan.

WAKTU KUNJUNGAN

Untuk mengatur jumlah pengunjung di dalam galeri, kami telah menyediakan 4 sesi kunjungan terjadwal pada setiap hari kerja, dengan kuota terbatas untuk 8 orang seperti di bawah ini :

11:00 – 12:00 | 12:30 – 13:30 | 14:00 – 15:00 | 15:30 16:30 

Kecuali : 15 16 Des 2020 (11:00 12:00 | 12:30 13:30)

Tanggal kunjungan :

Sabtu, 12 Des 2020

Selasa, 15 Des 2020

Rabu, 16 Des 2020

Kamis, 17 Des 2020

Jumat, 18 Des 2020

Sabtu, 19 Des 2020

Selasa, 22 Des 2020

Rabu, 23 Des 2020

Sabtu, 26 Des 2020

Selasa, 29 Des 2020

Rabu, 30 Des 2020

Kamis, 31 Des 2020

KUNJUNGAN HARIAN

Jika Anda mengalami gejala COVID-19 atau merasa kurang sehat, harap tunda kunjungan Anda sampai kondisi lebih baik.

Akses

  • Area Parkir : Sepeda motor di area parkir Cemeti, sedangkan untuk mobil disediakan di tepi jalan sekitar area Cemeti.
  • Pintu depan Cemeti akan tetap ditutup. Pintu masuk terdapat di sisi kiri gedung.

Langkah Pencegahan

  • Harap ikuti petunjuk dari staff.
  • Lakukan pemeriksaan suhu badan menggunakan thermogun sebelum memasuki gedung. Jika suhu Anda mencapai 100,4°F / 38°C atau lebih tinggi, kami akan meminta Anda untuk berkunjung di hari lain.
  • Cuci tangan Anda dan gunakan hand sanitizer sebelum memasuki ruang galeri. Fasilitas cuci tangan dan hand sanitizer akan disediakan di pintu masuk.
  • Semua pengunjung berusia di atas dua tahun wajib menggunakan face shield atau masker dan harus dipakai selama kunjungan.
  • Menerapkan physical distancing. Jaga jarak setidaknya sekitar 1 – 2 meter (6 kaki) dari orang lain.
  • Kami telah meningkatkan kebersihan secara signifikan di ruang galeri. Seluruh area yang dapat disentuh dan dipegang oleh pengunjung dan staf, dibersihkan setiap hari secara reguler selama pameran berlangsung.

Pelacakan Data Kontak

Seluruh data pengunjung akan disimpan dengan aman tidak kurang dari 1 bulan setelah pameran ditutup dan sesuai dengan persyaratan Peraturan Gubernur Daerah Istimewa Yogyakarta No.77 tahun 2020. Data yang tidak diperlukan setelah waktu tersebut akan dibuang dengan aman.

Kembali ke Daftar Isi


Foto Karya Clothing

Foto Karya

Karina Roosvita

Sarung : Sarune Dikurung
2020
sattin ribbon
variable dimention

Helpful Sarong
2020
brocade
variable dimention

Loro Blonyo
2020
preloved sarung, hardened with tapioca starch
variable dimention

Proyek penelitian ini berangkat dari ketertarikan Roosvita untuk memeriksa relasi antara pakaian dan gender. Jika pakaian merupakan salah satu bentuk ekspresi gender, di mana pakaian juga ikut membentuk perspektif masyarakat mengenai gender, yang kemudian menimbulkan pengkotak-kotakan gender, apakah kita membutuhkan pakaian bebas gender untuk membantu membongkar cara pandang tersebut? 

Karya ini menawarkan sarung sebagai pakaian androgini, yaitu pakaian yang mempunyai nilai feminin sekaligus maskulin. Melalui risetnya, Roosvita memahami bahwa kain lilit (sejenis sarung) merupakan salah satu jenis pakaian tertua, yang dikenakan oleh perempuan maupun laki-laki. Kain lilit merupakan pakaian yang dianggap lebih beradab daripada celana yang banyak dikenakan oleh kaum pemburu dan pekerja. Lalu bagaimana sarung dikenakan oleh manusia jaman sekarang? Apakah ia masih dikenakan oleh laki-laki maupun perempuan? Nilai apa yang direpresentasikan oleh para pemakai sarung? Representasi merupakan nilai yang tidak pernah tetap. Ia dipengaruhi banyak hal, di antaranya kepentingan politik maupun muatan kultural. Pada masa kemerdekaan, sarung diidentifikasikan sebagai keterbelakangan dan penolakan terhadap penjajahan. Sedangkan saat ini, sarung adalah pakaian laki-laki yang merepresentasikan kelas pekerja, golongan terpelajar, sekaligus golongan yang tidak segan mengerjakan pekerjaan rumah tangga.


Candrani Yulis

Hijab
2020
Kain dan resin (instalasi); mural
120 × 227 cm

Hijrah
2020
Kain
Dimensi bervariasi

Proyek Candrani Yulis ini dilatarbelakangi oleh persoalan komodifikasi kapitalistik berbasis keyakinan (agama). Nyatanya, komoditas agama kerap kali memang karismatik (karena persepsi para penganutnya atas kesakralan ajaran yang mereka terima), dan karenanya sarat dengan makna-makna simbolik. Fenomena hijab, salah satunya. Bagaimana pakaian—yang di masyarakat kita lekat dengan identitas sosial dari kelompok tertentu—itu diperdagangkan dengan menjadikan perintah syariat sebagai “strategi” pembentukan pasarnya; pasar bisa diciptakan dengan dalih keyakinan. Belum lagi marketing plan dalam perdagangan jenis pakaian ini juga sering memanipulasi konsumen dengan visualisasi yang kearab-araban. Tidak jarang, teks-teks arab secara sosial dianggap mengandung “narasi suci”—padahal belum tentu semua teks arab berarti demikian—karena diyakini berasal dari tanah atau daerah yang merupakan situs ritual dan perkembangan peradaban Islam dunia, dan merupakan bahasa yang digunakan di dalam kitab suci. Namun begitu, toh, arti hijab pun hari ini kian berubah. Terjadi suatu pergeseran sikap dan pemaknaan masyarakat terhadap fungsi sosial dari hijab itu sendiri. Belakangan, kita pun mengenal “hijab stylish” sebagai label yang melekat pada model pakaian hijab hari ini yang digadang-gadang (oleh kapitalis, tentu saja) mampu mengakomodir habitus perempuan zaman kini.

Dengan proyek ini, Candrani membicarakan bagaimana sebuah ideologi agama tertentu, berhubungan dengan mekanisme kerja dan kuasa kapital yang memengaruhi persepsi publik, dan itu semua terepresentasi pada jenis pakaian tertentu dan sikap masyarakat terhadap pakaian tersebut. Seiring dengan riset mandirinya di media massa dan media sosial, ia mengolah objek-objek tekstual yang ditemukannya ketika menelusuri pelbagai teks terkait hijab, menjadi seri instalasi objek sebagai bangunan metafora dari gagasan kritikalnya.


Yosep Arizal

ke.malu.an
(Kolaborator: Andika Wahyu Adi Putra, M. Mizusee Al-Fayyad, Laviaminora, Satrio Wahyu Nugroho, Kevin Naftali, Adelia Puspa Maharan)
2020
Photo, kulit, bulu, rambut, dan video
Dimensi bervariasi

Dalam proyek ini, Yosep membahas hilangnya bulu pada tubuh manusia sebagai titik utama yang menuntut mereka dalam berbaju. Baginya, selain The Naked Ape (Desmond Morris, 1967), Perjanjian Lama dengan “Kisah Buah Terlarang”-nya menjadi titik awal bagaimana imajinasi-imajinasi tentang ketelanjangan, awal mula lahirnya baju, malu, dan batasan-batasan kemaluan awal bermunculan. Jauh sebelum baju menjadi respon solutif terhadap cuaca yang tidak bersahabat (penyebaran manusia ke luar dari Afrika), baju atau aktivitas menutupi badan atau bagian badan memiliki tujuan-tujuan lain yang banyak berhubungan dengan kemaluan, seksualitas, dan privasi. Pada presentasi kali ini, Yosep menghadirkan penafsiran-penafsiran baru tentang “kemaluan” dan batasannya, serta kaitannya dengan aktivitas seksual “manusia awal” yang akhirnya dibumbui dengan “rasa malu”.Berkolaborasi dengan beberapa seniman dalam proses pengerjaannya, Yosep menghasilkan karya video berisikan narasi acak tentang bulu, hilangnya bulu, batasan kemaluan, dan beberapa konsep penting tentang malu dan kaitannya dengan bulu dan kemaluan. Karya ini juga dilengkapi dengan instalasi baju berbahan dasar goat-hide dan rambut dipilih sebagai material dan motif untuk menafsirkan apa yang disuratkan Perjanjian Lama (daun ara dan kulit binatang). Baju itu menutupi bagian-bagian badan yang dianggap oleh Yosep sebagai “kemaluan”, berkaitan dengan fungsi bagian badan tersebut dalam aktivitas seksual, sebagaimana yang dijelaskan dalam The Naked Ape-nya Morris.


Eldhy Hendrawan

Old Normal
2020
Kain dan fotografi
20 x 10 cm (kain; per item), 21 x 29,7 cm (fotografi; per item)

Selain dalam bentuk naskah, jejak peradaban Keraton juga terdokumentasikan dalam wujud busana. Busana di Keraton digunakan sebagai simbol legitimasi, strata sosial, profesi, gender, dan bahkan untuk seni pertunjukan. Selain itu, busana juga digunakan untuk berbagai keperluan seperti upacara, ritual, jumenengan, tari-tarian, dll. Busana di Keraton berkembang dari masa ke masa sesuai perubahan era. Di Keraton banyak terdapat aturan-aturan dalam penggunaan busana. Setiap item dan motif pada busana memiliki makna dan filosofinya tersendiri. Pengaruh filosofi Keraton dalam hal pakaian ini pun juga mencakup daerah-daerah kekuasaannya, termasuk kampung-kampung prajurit.

Menyadari bahwa situasi “Normal Baru” akibat pandemi akan berdampak pada rutinitas dan kebiasaan baru masyarakat dalam berpakaian, Eldhy Hendrawan menggagas proyek penelitian dan produksi yang mendorong spekulasi tentang sebuah kemungkinan dalam lingkungan kehidupan kampung-kampung prajurit di masa kini dan masa depan, yaitu tatkala situasi kenormalan baru akibat pandemi justru menjadi suatu pengulangan lama yang dialami para prajurit yang sejak dahulu sudah terbiasa mengalami perubahan situasi, baik dalam hal rezim politik yang berkuasa, asimilasi budaya, dan gejolak-gejolak zaman lainnya. Dengan produksi dan distribusi masker sebagai medium komunikasi yang akrab, proyek ini mencoba menapak tilas perubahan penduduk di kampung prajurit.

Dengan konteks itu, proyek ini mencoba mengimajinasikan narasi historis, kultural, dan sakral milik Keraton dan wilayah-wilayah kekuasaannya, ke dalam suatu rancangan desain jenis pakaian tertentu, yang dalam hal ini adalah masker. Dalam penggarapan produksi item dan wacananya, Eldhy juga melakukan penelusuran di sejumlah lokasi-lokasi yang merepresentasikan kekuasaan Keraton Yogyakarta untuk menjejaki kembali keberadaan subjek-subjek penguasa yang, dari segi sosial, memiliki strata tertentu yang terepresentasi lewat bentuk, visual, dan cara berpakaian mereka. Proyek produksi masker ini mencoba mengintervensi memori publik mengenai itu.


Nona Yoanishara

Sewing Agony
2020
Tulle Fabric, Mirror, Metal, LED Monitor & Single-channel Video
200 x 200 cm

Pemaknaan terhadap sebuah pakaian mengubah persepsi sebuah benda dari sekadar objek diam menjadi benda yang hidup melalui narasi pemilik atau subjeknya. Perubahan itu dapat ditelusuri melalui narasi si pemilik, pengguna, atau pencipta yang disampaikan dengan latar memori keseharian. Nyatanya, pakaian dan ingatan saling terhubung dengan cara yang unik.

Dalam proyek ini, Sarah menghubungkan pakaian dan aktivitas menjahit sebagai alat untuk menjelajahi pengalaman dan narasi seorang penyintas peristiwa 1965. Soemini, subjek utama dalam proyek ini, memunculkan memori melalui dimensi material pakaian serta eksplorasi pengalaman menjahit selama berada di dalam penjara.

Dengan teknik wawancara dan observasi, Sarah menggunakan pakaian dan dimensi kegiatan menjahit sebagai perangkat untuk menelusuri ingatan-ingatan Soemini terhadap pakaian itu sendiri, dalam rangka mempertahankan koneksi antara memori dan identitas, pakaian, serta implikasinya terhadap perubahan dan kehidupan. Disajikan dalam bentuk karya instalasi pakaian berukuran 2 x 2 meter, dengan kostum replika kebaya hasil jahitan Soemini yang telah dibubuhi teks (narasi hasil wawancara) menggunakan teknik sulam, karya ini mencoba membuka kemungkinan pakaian sebagai medium untuk menguak peristiwa lampau ke dalam suatu transfigurasi kebendaan.


Mella Jaarsma

Makna Project
(
Drawings by Alfin Agnuba)
2020
Digital Print on Textile, stainless steel
Variable dimensions, 5 costumes

Dalam proyek ini, Mella Jaarsma membicarakan ‘Makna’ dari sudut pandang antropologis, terinspirasi dari peristiwa ritual pembersihan topeng dan kostum barong yang pernah ia saksikan di Ubud. Kala itu, penduduk desa dari seluruh wilayah di Bali datang berkumpul untuk menghidupkan kembali roh-roh dalam topeng dan kostum, dipimpin oleh para pendeta. Ke atas kostum-kostum itu, mereka melekatkan gambar-gambar karakter yang direpresentasikan oleh topeng. Mella melihat betapa orang Bali sangat ahli dalam menambahkan makna ke dunia material. Pepohonan, dedaunan, pakaian, dan begitu banyak benda di sekeliling mereka, baik benda alam maupun buatan, dilapisi dengan makna, sehingga material-material tersebut mendapatkan tempat dalam gambar-gambar yang menakjubkan. Baginya, menempelkan gambar-gambar pada kostum adalah contoh cara paling langsung untuk menambahkan makna atau kekuasaan. Mella membandingkan proses ini dengan proses cipta karya sebagai seniman, di mana seniman juga menambah makna atau konsep pada sebuah karya seni. 

Dalam presentasi proyek ini, Mella menghadirkan seri pakaian dengan gambar-gambar yang akan dilekatkan ke penutup tubuh, dengan cara yang paling langsung untuk menambah makna dan menempel arti pada sebuah benda.  Gambar ini, atau label merujuk pada lima kata kunci dengan warna berbeda-beda, terkait dengan isu penting tentang eksistensi kita dan masalahnya:  “lingkungan hidup” (hijau), “kebebasan ekspresi dan hak-hak sipil” (hitam),  “agama dan kepercayaan,” (putih), “ekonomi, perdagangan dan sejarah kolonial” (oranye), dan “persamaan dan perbedaan ras” (cokelat). Masing-masing akan berbeda bentuk, dan di dalamnya konten-konten tersebut akan ditambahkan pada pakaian. Makna Project menjadi cara Mella untuk memancing diskusi mengenai pakaian, dan bagaimana pakaian berkaitan dengan tubuh dan struktur-struktur kekuasaan. Karya ini juga merangsang pertanyaan tentang bagaimana kita menggunakan atau menginterpretasi tanda-tanda dan identitas sosial yang melekat pada tubuh melalui pakaian; bagaimana seniman bisa mendiskusikan ketidaksetaraan, baik di tingkat lokal maupun global melalui barang-barang yang dapat dikenakan. Menyelisik tubuh dan pakaian nyatanya akan menjembatani jarak dengan publik dalam rangka mengkomunikasikan sejumlah isu dalam suasana yang akrab.


Lashita Situmorang

Drama Daster
2020
Cat Air, kapur, Kertas, audio
Video art : 12 menit (2018)
Variable dimension

Menyadari fenomena bahwa daster telah mengalami pergeseran makna dan komodifikasi baru, serta labelisasi sebagai pakaian “emak-emak” (kelompok perempuan yang secara sosial terkategorisasi akibat proses domestifikasi peran dalam masyarakat patriarkis), proyek ini mencoba meninjau sejarah kemunculan dan perkembangan busana daster di Indonesia, serta membongkar bagaimana konstruksi sosial bekerja menciptakan nilai-nilai tertentu yang kemudian melekat pada pakaian tersebut. Mewawancarai sejumlah narasumber untuk membandingkan pandangan para pengguna dan non-pengguna daster, proyek ini menjadikan daster sebagai medium spekulatif dalam rangka mengidentifikasi “drama” (atau narasi) perempuan Indonesia. Lewat visualisasi berbentuk infografis tentang daster, yang dielaborasi dengan seni melipat kertas (origami) dan kolase, Lashita menghadirkan sitasi-sitasi etnografis ke dalam suatu peristiwa interaktif dalam rangka membangun kritisisme terhadap fenomena sosiokultural busana daster yang semakin hari semakin bermakna ganjil berdasarkan ruang dan waktu tertentu.

Exhibition View

Kembali ke Daftar Isi


Dokumentasi Pembukaan Clothing

Dokumentasi Pembukaan

Dokumentasi foto Pembukaan Study Club Presentation Clothing as A State of Power, 11 Desember 2020, Cemeti – Institut untuk Seni dan Masyarakat. (Foto: Muhammad Dzulqornain)

Kembali ke Daftar Isi


Biografi Seniman

Biografi Seniman

KARINA ROOSVITA INDIRASARI adalah seorang penulis cerita yang selama 10 tahun terakhir beralih dari menulis untuk TV ke arah cerita yang dikembangkan dengan metode-metode kolaboratif yang didahului dengan penelitian-penelitian etnografi. Secara khusus Roosvita tertarik menjelajahi isu gender dan identitas, di antaranya mendokumentasikan kehidupan pekerja seks dan komunitas transgender. Beberapa proyek kolaboratifnya telah dipresentasikan di Adelaide, Brisbane, Penang, Warsawa, dan Yogyakarta, dan mendapatkan penghargaan Best Parallel Event di Jogja Biennale XI dan XII. Baru-baru ini, ia ikut mendirikan Inkubator Inisiatif sebagai wadah presentasi penelitian-penelitian seniman dan cendekiawan baik dari Indonesia maupun mancanegara.

CANDRANI YULIS (Probolinggo, 1995) adalah seorang seniman dan desainer yang tinggal di Bantul, Yogyakarta. Menamatkan pendidikan di bidang Desain Komunikasi Visual di Institut Seni Indonesia, Yogyakarta, pada tahun 2018. Di tahun 2016, dia mendapat penghargaan Display Design Awards DKV 4 ISI Yogyakarta dan Videographic Awards Harian Umum Indonesia. Kemudian, tahun 2019, dia mengikuti program residensi seniman di kegiatan Seniman Pasca Terampil, Padepokan Seni Bagong Kussudiardja. Karyanya telah dipamerkan dalam sejumlah perhelatan senirupa, antara lain “Komik Nasional” di Jogja National Museum (2017), “Andong Buku 3” di Bentara Budaya Yogyakarta (2018), “De Grote Postweg” di C2O Library & Collective, Surabaya (2018), “Nandur Srawung, Peer to Peer”, Taman Budaya Yogyakarta (2019), dan “Sumonar Fest – Monument of Hope” Yogyakarta (2020).

YOSEP ARIZAL (Lumajang, 1991) adalah seniman yang bekerja dan berdomisili di Yogyakarta. Yosep lulus dari Program Studi Kajian Seni, Seni Rupa Murni, FSR ISI Yogyakarta tahun 2016. Dalam berkarya, ia menggunakan berbagai macam media, seperti kulit, logam, kayu, dan kertas. Yosep juga tertarik dengan praktik kuratorial dan penulisan pameran. Yosep kerap mengangkat teks maupun cerita dari masa lampau dalam proyek-proyek seninya. Ia pernah mengikuti pameran Jogja Biennale 2019, Pameran Besar Seni Rupa Indonesia di Batu (2018), dan mewakili Taman Budaya Yogyakarta di pameran SwaraNusa di Jayapura (2014). Pada tahun 2019, ia menjadi finalis di Kompetisi Trimatra Salihara dan UOB Painting of The Year.

ELDHY HENDRAWAN memiliki latar belakang studi Teknik Mesin, dan melanjutkan studi di bidang Material Science. Mulai bersentuhan dengan seni ketika tinggal di Yogyakarta dan Taiwan. Seniman lintas disiplin yang tertarik dengan benda-benda yang sudah terabaikan, karena setiap benda memiliki kisahnya sendiri, yang mungkin pula terabaikan. Ia juga menaruh minat yang besar pada topik-topik yang berkaitan dengan sejarah, politik, budaya, dan sains.

NONA YOANISHARA (Yogyakarta, 1992) adalah seorang Fashion Designer. Ia lulus dari Universitas Gadjah Mada di bidang Filsafat. Ia belajar fashion secara otodidak dan mengelola brand sendiri, bernama DYSEASE, yang memproduksi aksesoris dan produk fashion. Dalam karya-karyanya, ia menyampaikan pesan-pesan sederhana, yang dekat dan menarik dari kehidupan sehari-hari, kemudian berpadu dengan fashion dan budaya musik underground. Kecintaannya pada fashion design membangun perjalanan karir pribadinya, melalui label fashion-nya dengan konsep utama yang berkaitan dengan pandangan modern generasi muda saat ini tentang fashion dan rasa frustrasi mereka terhadap kehidupan. Melalui fashion, dia mampu mengekspresikan dirinya secara bebas, memaknai sisi gelap dengan cara yang berbeda. Saat ini, Sarah tinggal dan bekerja di Yogyakarta.

MELLA JAARSMA dikenal dengan karya instalasi kostumnya yang rumit dan fokusnya pada bentuk keragaman budaya dan ras yang tertanam dalam pakaian, tubuh, dan makanan. Ia lahir di Belanda pada tahun 1960 dan belajar seni rupa di Akademi Minerva di Groningen (1978-1984), setelah itu meninggalkan Belanda untuk belajar di Institut Seni Jakarta (1984) dan di Institut Seni Indonesia di Yogyakarta (1985-1986). Ia tinggal dan bekerja di Indonesia sejak saat itu. Pada tahun 1988, ia ikut mendirikan Rumah Seni Cemeti (bersama Nindityo Adipurnomo), ruang seni kontemporer pertama di Indonesia, yang hingga saat ini tetap menjadi platform penting bagi seniman muda dan pekerja seni di Indonesia.

Karya Mella Jaarsma telah dipresentasikan secara luas dalam pameran dan acara seni di Indonesia dan luar negeri, antara lain: ‘Dunia Dalam Berita’, Museum Macan, Jakarta (2019); Setouchi Triennale, Japan (2019),  Thailand Biennale (2018); 20th Sydney Biennale (2016); ‘The Roving Eye’, Arter, Istanbul (2014); ‘Siasat – Jakarta Biennale’, Museum Seni Rupa dan Keramik, Jakarta (2013); ‘Suspended Histories’, Museum Van Loon, Amsterdam (2013); ‘Singapore Biennale’, Singapore Art Museum (2011); ‘GSK Contemporary – Aware: Art Fashion Identity’, the Royal Academy of Arts, London(2010); ‘RE-Addressing Identities’, Katonah Museum, New York (2009); ‘Accidentally Fashion’, Museum of Contemporary Art, Taipei (2007); Yokohama Triennial (2005), dan lain-lain. Beberapa karyanya telah dikoleksi oleh Queensland Art Gallery, Brisbane, National Gallery of Australia, dan Singapore Art Museum.

Lashita Situmorang (Samarinda, 1977) adalah seniman yang bekerja dan berdomisili di Yogyakarta. Ia tertarik melihat bagaimana seni menjadi ruang proses dan ruang komunikasi untuk belajar, bertemu, dan berbagi bersama. Dalam karya-karyanya, Lashita kerap mengusung isu lingkungan, kemanusiaan dan isu sosial yang acap kali dianggap tabu dan terabaikan di masyarakat luas. Dalam mendukung kritiknya Lashita menggunakan berbagai medium dan berbagai pendekatan artistik baik di dalam riset maupun praktiknya. Salah satu proyek yang diinisiasinya adalah Red District Project (RDP), 2008, di lokasi praktik prostitusi bernama Sarkem dan RDP #2, 2017, di Jogja Contemporary, Yogyakarta. Proyek RDP ini membawanya pada proyek seni yang lain, yaitu Makcik Project bersama Jimmy Ong, Ferial Afiff, dan Grace Samboh; episode 1 di tahun 2012 dan episode 2 di tahun 2013, Poetic Everyman Project bersama Amina McConvell; part 1 pada tahun 2013 di Yogyakarta dan part 2 pada tahun yang sama di NT Darwin Australia, Say No More, di Georgetown Festival Penang, dan Oz Asia Festival di Adelaide pada tahun 2018. Ia menginisiasi proyeknya yang terkini bernama Guru Project, dipresentasikan di Inkubator Inisiatif 2019. Ia juga menginisiasi proyek seni Inkubator Inisiatif bersama Karina Roosvita di Yogyakarta.

Kembali ke Daftar Isi

Clothing as A State of Power

English | Indonesia

Daftar Isi

TABLE OF CONTENT
Introduction | Health Protocol | Artwork Images | Opening Documentation | Artist’s Biography

Study Club Presentation

Clothing as A State of Power

11 – 31 December 2020

Cemeti – Institute for Art and Society
D. I. Panjaitan street, No.41, Kelurahan Mantrijeron
Kecamatan Mantrijeron, 55143
Yogyakarta

Teks Pengantar

The clothing we wear is inseparable from our social system, wherever we are. Power is certainly reflected through clothing and the bodies that wear them. This is not just power in the structural sense (for instance, the relationship between dominant and subordinate groups), but also non-agential and non-structural power, that is “power that is everywhere and originates from everywhere”. It is possible to investigate the complexity of relations of power, including by examining clothing, whether through aspects of the mechanisms of production or by looking at the way meaning is generated in society.

This public presentation will explain a variety of interpretations, beginning with at least seven key words that are explored personally by each participant when they discuss clothing and it’s connection to power: identity, image, function, ideology, uniform and symbols, along with meaning and memory. Instead of an exhibition, the appearance of works in “Clothing as a State of Power” is being referred to as a presentation, because it departs from studies that are still ongoing. Developed from independent research on actual issues related to clothing, every participant has tried to explain, from an artistic perspective, how power is manifested and exists as a social determinant through the material and visual forms we wear in the everyday.

“Study Club: Clothing as A State of Power” is a study group that focuses on clothing that has been initiated by Mella Jaarsma and managed through the Incubator Initiative since November 2019. This group specifically studies topics associated with the relationship between clothing and power. Utilising various interdisciplinary perspectives, the outcomes of the studies are then developed and processed through artistic approaches. As part of this extended learning process, this public presentation is presented by the Incubator Initiative in cooperation with Cemeti – Institute for Art and Society.

Study Club Participants :

Candrani Yulis

Eldhy Hendrawan

Karina Roosvita

Lashita Situmorang

Mella Jaarsma

Nona Yoanishara

Yosep Arizal

Opening

Friday, 11 December 2020 | 18:30 – 20:00 WIB

*Limited to 15 people via registration.

Daily Visit

12 – 30 December 2020

Tuesday – Saturday | 10:00 – 17:00 WIB

4 sessions per day (except 15 – 16 December 2020 only 2 sessions)

*Closed December 24-25 for Christmas Holidays.
*Limited to 8 people per session via registration.

Artist Talk

*Online

15 – 16 December 2020

Session #1
Tuesday, 15 Desember 2020
15:00 – 16:30 WIB

Session #2
Wednesday, 16 Desember 2020
15:00 – 16:30 WIB

Back to Table of Content


Panduan Kunjungan

Please read carefully our health protocols before registering a visit.

CEMETI – REOPENING VISIT INFORMATION & SAFETY MEASURES COVID-19

Cemeti – Institute for Art and Society will reopen on 11 – 31 December 2020 for Study Club Presentation: CLOTHING AS A STATE OF POWER. The safety and well-being of our visitors, artists, partners, and Cemeti team is our highest priority. Cemeti will be following the local health authorities’ guidelines to minimize the effects of this Covid-19 pandemic. The following are health and safety measures we have taken and put in place for our Cemeti team, artists, partners, and visitors.

We want to let you know that Cemeti team who are experiencing any symptoms of COVID-19 are required to remain at home and must take a Rapid or PCR/Swab test. Those who have traveled to other cities will be required to self isolate and go through a Rapid /Swab test to ensure no infection before returning to work.

HOURS & REGISTRATION

Tuesday – Saturday | 11:00 – 16:30 WIB

Closed on 24-25 Dec 2020 for Christmas Days

Registration is required for entry, and all visitors must diligently adhere to health precautions.

Time to visit

To manage the number of visitors inside the gallery, we have divided the time of visit into 4 sessions scheduled every open day, with access limited to 8 persons at a time as bellow:

11:00 – 12:00 | 12:30 – 13:30 | 14:00 – 15:00 | 15:30 16:30 

Except : 15 16 Dec 2020 (11:00 12:00 | 12:30 13:30)

DATE to visit

Saturday, 12 Dec 2020

Tuesday, 15 Dec 2020

Wednesday, 16 Dec 2020

Thursday, 17 Dec 2020

Friday, 18 Dec 2020

Saturday, 19 Dec 2020

Tuesday, 22 Dec 2020

Wednesday, 23 Dec 2020

Saturday, 26 Dec 2020

Tuesday, 29 Dec 2020

Wednesday, 30 Dec 2020

Thursday, 31 Dec 2020

DAILY VISIT

If you are experiencing any symptoms of COVID-19 or are not feeling well, please postpone your visit until you are feeling better or until you are symptom-free.

Access

  • Paking Area: Motorbike at Cemeti’s parking area, Car at the roadside around Cemeti.
  • Cemeti’s front door will remain closed. The entrance will be on the left side of a building.

Safety Features

  • Please follow directions from the Cemeti team.
  • Temperature checks with a forehead scanner prior to entering the building. If you receive a reading of 100.4 °F / 38 °C or higher, we will regrettably have to deny entry into the Gallery to avoid risk of transmission.
  • Wash hands and use hand sanitizer before entering the gallery. A handwashing station and hand sanitizer are available at entrances.
  • Face coverings are required for all visitors over the age of two, and must be worn for the duration of your visit.
  • Maintain physical distancing. Keep at least six feet from others.
  • We have significantly increased the frequency and extent of cleaning at the gallery. All surfaces, handles, and other areas that may be touched by visitors and staff are cleaned daily during exhibitions.

Contact Tracing

All visitor’s ID/Passport will be stored securely for no less than 1 month after the exhibition closes and in accordance with the requirements of Yogyakarta Governor Regulation No.77 of 2020. ID/Passport that is not required anymore will be disposed of securely.

Back to Table of Content


Foto Karya Clothing

Artwork Images

Karina Roosvita

Sarung : Sarune Dikurung
2020
sattin ribbon
variable dimention

Helpful Sarong
2020
brocade
variable dimention

Loro Blonyo
2020
preloved sarung, hardened with tapioca starch
variable dimention

This research project departed from Roosvita’s investigations into the relationship between clothing and gender. If clothing is one of the ways that gender is expressed, whereby clothing also forms society’s perspectives on gender which then lead to the partitioning of gender, do we need clothing that is gender neutral to help break down this perspective? 

This work offers the sarong as an androgynous piece of clothing, that is, clothing that has both feminine and masculine values. Through her research Roosvita came to understand that kain lilit (a kind of sarong) is one of the oldest forms of clothing and can be worn by women and men. Kain lilit is regarded as more civilised than trousers, which are usually worn by labourers and workers. So how do people wear the sarong today? Is it still worn by men and women? What values are represented by those wearing sarong? This representation of values is never fixed. It is influenced by many issues, among them the importance of political interests and cultural burdens. In the independence era, the sarong was identified as regressive and a rejection of colonisation. Today, the sarong is male clothing that represents the middle and educated class, as well as that class of people who love doing the housework.


Candrani Yulis

Hijab
2020
Fabric and resin (installation), stickers (mural)
120 × 227 cm

Hijrah
2020
Fabric
Dimensions variable

Candrani Yuli’s project is conceived against a backdrop of capitalist commodification of faith (religion). In reality, religion as a commodity is often charismatic (because of the perception that believers hold around the sanctity of the teachings they have received), and because of this it is laden with symbolic meaning. The phenomena of the hijab is one example. These clothes—which as a society we attach to the social identity of particular groups—are traded by turning Sharia rules into “strategies” for market formation; a market can be created with the premise of faith. Not to mention that the marketing plans in these clothing trades often manipulate consumers with Arab-style visual marketing. Frequently, Arabic text is socially perceived to imply a “holy narrative”—even though it’s by no means guaranteed that all Arabic text has this meaning—because it is believed to originate from the heartland of global Islamic civilisation, and is the language of the holy book. However, these days the meaning of the hijab has shifted. There has been a change in society’s attitudes and interpretations around the social function of the hijab itself. Recently, we’ve become familiar with the “stylish hijab” in association with the kind of hijab that is expected (by capitalists, of course) to accommodate the disposition of today’s women.

With this project Candrani addresses how the ideology of particular religions is related to the mechanisms of labour and the power of capital and their influence on public perceptions. This is represented through particular kinds of clothing and society’s attitudes towards these clothes. Alongside independent research into the mass media and social media, she processes textual objects that she has found through her investigation of various texts on the hijab, and turns these into a series of installations that carry metaphors for her critical concepts.


Yosep Arizal

ke.malu.an*
(Collaborator: Andika Wahyu Adi Putra, M. Mizusee Al-Fayyad, Laviaminora, Satrio Wahyu Nugroho, Kevin Naftali, Adelia Puspa Maharan)
2020
Photographs, leather, fur, hair and videos,
Dimensions variable

In this project Yosep discusses the loss of fur as the catalyst for humans to wear clothing. For him, apart from The Naked Ape (Desmond Morris, 1967), the “Ancient Promise with its “story of the forbidden fruit” was the starting point for his imaginings of nakedness, the birth of clothing and the emergence of restrictions around genitalia. Long before clothing became the solution to inclement weather (as humans spread out from Africa) clothing, or the act of covering the body or part of it, had different intentions that were mostly related to genitalia, sexuality and privacy. In this presentation, Yosep offers new interpretations of “genitalia” and its restriction, as well as its association with the sexual activities of the “first humans,” which were eventually spiced up with a “sense of shame”.

Collaborating with several artists in the making of the work, Yosep has produced a video containing a random narrative about fur, the loss of fur, the restriction of genitals and several important concepts around shame and its association with fur and genitalia. This work is also complemented with an installation of clothing made from goat hide and hair that has been chosen as the material and motif to interpret what is written in the Ancient Promise (fig leaf and animal fur). These clothes cover parts of the body that Yosep regards as “genitals”, in association with the functions of those body parts in sexual activities, as is explained by Morris in The Naked Ape.

*Translator’s note: the word for genitalia in Indonesian, kemaluan, contains the base word malu, which translates as shame or embarrassment. This imbues the word for genitalia in the Indonesian language with a unique and irrevocable relation to these emotions.


Eldhy Hendrawan

Old Normal
2020
Fabric and photography
20 x 10 cm (fabric; per item), 21 x 29,7 cm (photographs; per item)

The traces of Palace civilisation are recorded not only in written form, but also in the form of couture. Palace couture is used as a symbol of legitimacy, social class, profession, gender and even as performing art. Apart from this, couture has various other roles in ceremonies, rituals, coronations, dance and so on. Palace couture has developed as the eras have changed over time. In the Palace there are many rules around the use of couture. Every item and motif of any outfit has its own meaning and philosophy. The influence of Palace philosophy on couture is also felt in the spheres of its authority, including the Palace guards’ neighbourhood.

Conscious that the “new normal” resulting from the pandemic would impact on the routines and habits of the community’s clothing, Eldhy Hendrawan conceived of a research and production project that encouraged speculation about the possibility contained in the present and future environments of these neighbourhoods. One of these speculations is that the new normal generated by the pandemic is in fact the return of an old story for the guards, who have long become accustomed to changing situations, whether through political regimes, cultural assimilation or other movements of their times. Through the production and distribution of masks as a familiar medium of communication, this project aims to follow in the footprints of change in the Guards’ neighbourhood.

In that context, the projects re-imagines the historical, cultural and sacred narratives of the Palace and the areas under its authority, through the design of a particular piece of couture which is, in this case, a face mask. By conceiving of the production of this item and an associated discourse, Eldhy also conducted investigations in various locations that represented the authority of the Yogyakarta Palace, in order to retrace the subjects of this authority who, from a social perspective, are in a particular strata that is represented through forms, images and the way they wear their clothes. This mask-producing project intends to intervene on the public memory of this.


Nona Yoanishara

Sewing Agony
2020
Tulle Fabric, Mirror, Metal, LED Monitor & Single-channel Video
200 x 200 cm

The interpretation of a piece of clothing changes an object from a mere inanimate thing into something that lives through the narration of its owner or subject. This change can be explored through the narration of the owner, user or creator as expressed through memories of the everyday. In fact, clothing and memory are closely related in a unique way.

In this project, Sarah connects clothing and sewing as a tool for exploring the experience and narration of a survivor of 1965. Soemini, the main subject of this project, brings up memories through the material dimension of clothing and explores her experiences of sewing while she was incarcerated.

Using interview and observation, Sarah utilises clothing and the dimension of sewing as a way to explore Soemini’s memories of clothing itself, with the intention of maintaining connections between memory and identity, clothing and its implications around change and lifestyle. Presented as an installation of clothing that is 2 x 2 metres, with a replica of the kebaya shirt sewed by Soemini onto which text (narrations from the interview) are embroidered, this work aims to open up the possibilities for clothing as a medium for recasting the events of the past through transfiguration of objecthood.


Mella Jaarsma

Makna Project
(
Drawings by Alfin Agnuba)
2020
Digital Print on Textile, stainless steel
Variable dimensions, 5 costumes

In this project Mella Jaarsma speaks of ‘meaning’ from an anthropological perspective, inspired by the ritual cleansing of the lion mask and costume, which she witnessed in Ubud. At that time, villagers from all regions in Bali gathered to reanimate the spirits of the mask and costume, lead by priests. On top of the costume they placed images of the character represented by the mask. Mella saw how skilled the Balinese are at vesting meaning in the material world. Trees, leaves, clothing and all the objects around them, whether natural or man-made, are shrouded with meaning, so that the material gains a place in these astounding images. For her, placing images on costumes is the most direct example of vesting meaning or power. Mella compares this process to an artist’s creative process, in which in the artist, in which an artist also vests meaning or concepts in a work of art. 

In the presentation of this project, Mella exhibits a series of pieces of clothing with images to be attached to cover the body, in the most direct method for vesting meaning and attaching intent to an object. These images, or the labels that refer to five key words with different colours, are related to important existential issues: “the environment” (green), “freedom of expression and civil rights” (black), “religion and faith” (white), “economy, trade and colonial history” (orange), and “racial uniformity and difference” (brown). Each will have a different shape and each will contain things that will be added to the clothes. The Makna Project is Mella’s way of inviting discussion about clothing and how it relates to the body and the structures of power. This work also poses questions about how we use or interpret signs and the social identities we attach to bodies through clothing and how artists can discuss inequality, both at a local and global level, through things that can be worn. Investigating the body and clothing in fact bridges the distance from the public by communicating a number of issues in an intimate atmosphere.